Средневековые музыканты как назывались

Средневековые музыканты как назывались

Странствующие музыканты

«Жил да был трубадур, беззаботный малый, он скитался по дорогам, исполняя песни для королей и принцесс. Везде его встречали с распростертыми объятиями. Он бренчал на лютне, пел песни о любви и отчаянной смелости, очаровывал дам и продолжал свой путь. Вот это жизнь!» Да, красивая жизнь, если забыть, что все было по-другому.

Кто же были исторические трубадуры, менестрели, голиарды, скоморохи? Что толкало их в дорогу — дух романтики или суровая необходимость?

Дороги Средневековья

Средневековый человек был довольно музыкален: он различал десятки трубных сигналов и колокольных звонов, знал много песен, играл на инструментах. Он мог часами наслаждаться песнями жонглеров — странствующих музыкантов.

Строгая церковная жизнь, сопровождаемая божественными звуками григорианского хорала, не менялась столетиями, но за порогом храма жизнь не стояла на месте. Росли города, окруженные крепостями, в феодальных замках рыцари посвящали время воинским забавам и турнирам, праздники собирали толпы народа, жаждавшего зрелищ и развлечений. По дорогам Европы бродили музыканты и артисты, разыгрывавшие театральные сцены из жизни святых, рыцарей и простого народа: английские менестрели, французские жонглеры и голиарды, немецкие шпильманы, да и про русских скоморохов не забудем. А где же трубадуры?

Трубадуры

Слово «трубадур» возникло в конце XI века в Окситании (на юге Франции и севере Италии и Испании). Это было уникальное место, где мирно сосуществовали несколько культур — христианская, мусульманская и иудейская.

Толпы разношерстного народа шли по дорогам к святому Иакову в Испанию или к папе в Рим. Корабли с паломниками и крестоносцами отплывали в Святую землю, а в порты приходили торговые корабли. Воздух вольности, близость мавританской Испании с ее университетами, развитие торговли сделали Окситанию поистине цветущим краем и центром интеллектуальной жизни.

В воинской культуре тогдашней Европы не было места изящным искусствам, куда интереснее было смаковать кровавые подробности прошедшей битвы. Поэты-трубадуры произвели революцию: на понятном языке (а не на высокой латыни) они превозносили другие ценности — не только война, но и любовь, не только рыцарские, но и поэтические турниры. Они создали не только лирическую поэзию, но и культуру чувств — все современные влюбленные, говорящие комплименты своим очаровательным возлюбленным, продолжают куртуазные традиции. Снова зазвучали слова святого Иоанна «Бог есть любовь». Рыцарь теперь искал не только земную, но и идеальную любовь, совершенствующую душу, Он стремился служить Прекрасной Даме, причем бескорыстно и даже тайно. «Я так преданно и верно люблю вас, что ни одному другу не доверю тайну моей любви к вам», — говорил трубадур Пейре Видаль. Многие знатные рыцари были трубадурами. Чего стоит одно лишь имя Ричард Львиное Сердце.

Трубадуры путешествовали сами или нанимали странствующих певцов-жонглеров, обучали их своим песням и снаряжали в дорогу. Так песни и новые идеи распространялись по Европе.

Менестрели: слуги и бунтари

Менестрель — это не только странствующий персонаж. Само слово «менестрель» означает «состоящий на службе». Гарантией хоть какого-то достатка была служба в замке, причем самая разная. История сохранила имя нормандского менестреля Тайлефера, храбро сражавшегося в битве при Гастингсе в 1066 году. Менестрели также могли нести караульную службу: в 1306 году менестрель Ричард затрубил тревогу в Виндзоре и спас замок от пожара. Англичане сожалеют, что менестрелей уже не было в 1992 году, когда замок все-таки сильно пострадал от огня.

Бродячие музыканты — первые профессиональные артисты. Всем своим видом они старались выделяться из толпы — это и знак его ремесла, и заявление всем окружающим о своем положении изгоя. Кто объявил их изгоями? Конечно, церковь, но и сами музыканты способствовали этому: они «взрывали» общество, смущали умы. «Вечно меченые внешне, они и в поведении, и в нравах выказывали вражду к обыденному жизненному укладу, к вассальной приниженности и ханжеству, к почитанию сословных барьеров, к упованию на сеньорскую щедрость» (М. Сапонов). Гираут де Калансо утверждает, что настоящему жонглеру следует завести себе приставную рыжую бороду и вырядиться в костюм, «пугающий дураков». Шутливые песенки на злобу дня и веселили горожан, и пугали одновременно.

Взаимоотношения с церковью у музыкантов были неоднозначные: клирикам запрещалось становиться жонглерами и голиардами, но, по иронии судьбы, именно нарушители запрета толпами бродили по Европе и благодаря своей грамотности оставили рукописное песенное наследие.

Настоящие профессионалы

Известность музыканта зависела не от сословия, к которому он принадлежал, а, как ни удивительно, от его профессиональных качеств.

Немногие сегодняшние музыканты и артисты смогли бы стать достойными менестрелями. Судите сами. Что должен был уметь артист XII века? Поэт-певец был исполнителем, творцом, актером и режиссером одновременно. Мало кто умел тогда читать и писать, зато память была феноменальная, например, каждый уважающий себя нормандский менестрель знал «Песнь о Роланде», а в ней 4000 строк! Источник XIII века определяет менестреля как того, кто «умеет рифмовать, остроумен, знает историю о Трое, умеет удержать яблоко на острие ножа, жонглировать, танцевать, прыгать через обруч, играть на цистре, мандоле, арфе, виоле и гуслях, подражает голосам птиц, умеет дрессировать собак и управлять марионетками». Ну как? Кто хочет попробовать?

Настоящие таланты были востребованы — молва о них быстро разлеталась, их приглашали в разные замки и неплохо платили. Зрители вообще реагировали бурно и непосредственно: хорошему артисту сопереживали и одобрительно хлопали, нерадивого с побоями выставляли за дверь.

Связующее звено Европы

Потрясающая особенность того времени — эстетическое единство. Не было «национальных школ», музыканты с голоса в живом общении усваивали разные языки. «При испанских дворах христиане музицировали бок о бок с мусульманами и евреями, а английские, немецкие, итальянские и фламандские музыканты в полном согласии сотрудничали в больших ансамблях». Музыканты учились друг у друга, например, шпильман Освальд фон Волькенштейн в своих странствиях научился петь песни на десяти языках, а жонглер Раймбаут де Вакейрас создавал пятиязычные дескорты — в десятистрочной строфе каждая пара стихов написана на своем языке.

Гираут де Кабрейра в «Поучении» наставлял: «Большого знания не приобретешь, если не будешь выезжать за пределы своих мест». Музыканты — поистине люди без границ! Тангейзер (прототип героя оперы Р. Вагнера), если верить его словам, побывал не только в Средиземноморье и Центральной Европе, но даже дошел до Руси. Белорусские лицедеи разыгрывали сцены из немецкого эпоса, а итальянский поэт Ариосто упоминает о литовских и русских скоморохах-медведчиках. Если музыкант покорил публику мастерством, то его прославляли и одаривали независимо от того, откуда он родом, богат он или нищ и на каком языке говорит.

Эти традиции странствующих, а позже гастролирующих, музыкантов объединяют людей и сейчас. Но связи выстраиваются не только в пространстве, но и во времени.

Связь времен

Всего двести лет прожила прекрасная окситанская культура. Ее богатства и ее вольнодумие не могли остаться незамеченными. Печально известные крестовые походы против своих, разграбление городов, рождение инквизиции… Трубадуров и жонглеров объявили вне закона, многим пришлось поневоле стать странниками и нести слова о любви, о сражениях, о стойкости духа, о поиске справедливости в другие земли. Например, в Италию… Великое поколение поэтов Возрождения Данте, Петрарка, Боккаччо, поэты-символисты Серебряного века и многие другие учились «веселой науке» трубадуров — певцов неоднозначной эпохи Средневековья.

Дополнительно:

Шагая, покорные своей судьбе, странствуют много по земле мужи, радость людей, говорят о своих нуждах, сказывают спасибо за подарки и всюду встречают знатока песен, щедрого на дары… Тот, кто воспевает славу (других), имеет под небом самую лучшую долю.

Англосаксонская песнь «Видсид»

Три предмета, а именно спасение, любовное наслаждение и добродетель, являются первенствующими, и говорить о них, как и о том, что ближайшим образом к ним относится, то есть о воинской доблести, любовном пыле и справедливости, следует с большой значительностью. Только это… и воспевали народной речью блистательные мужи, именно Бертран де Борн — брани, Арнальд Даниель — любовь, Герард де Борнель — прямоту.

Данте Алигьери «О народном красноречии»

Я ненавижу лживость и обман,

Путь к истине единственно мне гож,

И, ясно впереди или туман,

Я нахожу, что он равно хорош;

Пусть сплошь и рядом праведник бедней

Возвышенных неверьем богачей,

Я знаю: тех, кто ложью вознесен,

Стремительнее тянет под уклон.

Хочу сказать сирвентою моей,

Что правды избегающий злодей

Ни здесь, ни там, как ни старайся он,

Не будет к лику славных сопричтен.

В путь, Раймондет! Сирвенты суть моей

Узнают лишь храбрец и книгочей;

Не пой ее мужлану, ибо он

И слыша не поймет, откуда звон.

Коль не от сердца песнь идет,

Она не стоит ни гроша,

А сердце песни не споет,

Любви не зная совершенной.

Мои кансоны вдохновенны —

Любовью у меня горят

И сердце, и уста, и взгляд…

Бернарт де Вентадорн

Литература

М. Сапонов. «Менестрели». Очерки музыкальной культуры Западного Средневековья.

Ж. Брюнель-Лобришон, К. Дюамель-Амадо. Повседневная жизнь во времена трубадуров. XII–XIII века.

Источник

Музыка средневековья

Музыка средневековья

Музыка эпохи средневековья — период развития музыкальной культуры, охватывающий промежуток времени примерно с V по XIV века н.э..

Содержание

Европа

В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура нового типа — феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор. Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях. Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.). Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы музицирования рыцарства: во Франции — искусство трубадуров и труверов (Адам де ла Аль, XIII век), в Германии — миннезингеров (Вольфрам фон Эшенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII века), а также городских ремесленников. В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, ле, виреле, баллады, канцоны, лауды и др.).

Входят в быт новые музыкальные инструменты, в том числе пришедшие с Востока (виола, лютня и т. д.), возникают ансамбли (нестабильных составов). В крестьянской среде расцветает фольклор. Действуют также «народные профессионалы»: сказители, странствующие синтетические артисты (жонглёры, мимы, менестрели, шпильманы, скоморохи). Музыка вновь выполняет главным образом прикладные и духовно-практические функции. Творчество выступает в единстве с исполнительством (как правило — в одном лице) и с восприятием. И в содержании музыки, и в её форме господствует коллективность; индивидуальное начало подчиняется общему, не выделяясь из него (музыкант-мастер — лучший представитель общины). Во всём царят строгая традиционность и каноничность. Закреплению, сохранению и распространению традиций и эталонов (но также и их постепенному обновлению) способствовал переход от невм, лишь приблизительно указывавших характер мелодического движения, к линейной нотации (Гвидо д’Ареццо, XI век), позволившей точно фиксировать высоту тонов, а затем и их длительность.

Постепенно, хотя и медленно, обогащаются содержание музыки, её жанры, формы, средства выразительности. В Западной Европе с VI-VII веков. складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны). На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса. Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской богоматери (Леонин, Перотин). На рубеже Возрождения (стиль ars nova во Франции и Италии, XIV века) в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо).

Восточная Европа и Азия

В Восточной Европе и Закавказье (Армения, Грузия) развиваются свои музыкальные культуры с самостоятельными системами ладов, жанров и форм. В Византии, Болгарии, Киевской Руси, позднее Новгороде расцветает культовое знаменное пение (Знаменный распев), основанное на системе диатонических гласов, ограничивающееся только чисто вокальными жанрами (тропари, стихиры, гимны и др.) и использующее особую систему записи нот (крюки).

В это же время на Востоке (Арабский халифат, страны Средней Азии, Иран, Индия, Китай, Япония) формируется феодальная музыкальная культура особого типа. Её признаки — широкое распространение светского профессионализма (как придворного, так и народного), приобретающего виртуозный характер, ограничение устной традицией и монодическими (мелодия без аккомпанемента) формами, достигающими, однако, высокой изощрённости в отношении мелодики и ритмики, создание весьма устойчивых национальных и межнациональных систем музыкального мышления, объединяющих в себе строго определённые виды ладов, жанров, интонационных и композиционных структур (мугамы, макамы, раги и др.).

Музыкальные деятели эпохи средневековья

Источники

1.М: Музыкальная энциклопедия, S. 12044 (vgl. Музыкальная энциклопедия. Т. 3, S. 741—742)

Источник

Тема 3. Музыкальная культура Средневековья

Средневековье – наиболее длительная культурная эпоха в истории Западной Европы. Она охватывает девять столетий – с VI по XIV век. Это было время господства католической церкви, которая с первых шагов являлась покровительницей искусств. Церковное слово (молитва) в разных странах Европы и в различных социальных слоях было неразрывно связано с музыкой: звучали псалмы, гимны, хоралы – сосредоточенные, отрешенные мелодии, далекие от повседневной суеты.

Также по заказу церкви возводили величественные храмы, украшали их скульптурами и красочными витражами; благодаря покровительству церкви архитекторы и художники, скульпторы и певцы посвящали себя безраздельно любимому искусству, т. е. католическая церковь поддерживала их с материальной стороны. Таким образом, самая значительная часть искусства вообще и музыкального, в частности, находилась под ведением католической религии.

Церковное пение во всех странах Западной Европы звучало на строгом латинском языке и для того, чтобы еще более усилить единство, общность католического мира, папа Григорий I, вступивший на престол в начале IV века, собрал воедино все церковные песнопения и предписал для исполнения каждого из них определенный день церковного календаря. Собранные папой мелодии получили название григорианских хоралов, а певческая традиция, основанная на них, называется григорианское пение.

В мелодическом смысле григорианский хорал ориентирован на октоих – систему восьми ладов. Именно лад часто оставался единственным указанием на то, как нужно исполнять хорал. Все лады составляли октаву и были модификацией античной трихордной системы. Лады имели только нумерацию, понятия «дорийский», «лидийский» и проч. исключались. Каждый лад представлял соединение двух тетрахордов.

Григорианские хоралы идеально соответствовали своему молитвенному назначению: неторопливые мелодии складывались из незаметно перетекающих друг в друга мотивов, мелодическая линия была ограничена по тесситуре, интервалы между звуками были небольшими, ритмический рисунок был также плавным, строились хоралы на основе диатонического звукоряда. Григорианские хоралы исполнялись одноголосно мужским хором и обучались такому пению преимущественно в устной традиции. Письменные источники григорианики являются образцом невменной нотации (специальные значки, стоявшие над латинским текстом), однако такой тип нотной записи указывал только приблизительную высоту звука, обобщенное направление мелодической линии и совсем не касался ритмической стороны и поэтому считался сложным для прочтения. Певцы, исполнявшие церковные хоралы не всегда были образованы и обучались своему ремеслу в устной форме.

Григорианский хорал стал символом огромной эпохи, которая отразила в нем свое понимание жизни и мира. Смысл и содержание хоралов отражали представление средневекового человека о сущности бытия. В этом смысле Средние века часто называют «юностью европейской культуры», когда, после падения античного Рима в 476 году, племена варваров, галлов и германцев вторглись в Европу и начали строить свою жизнь заново. Их вера в христианских святых отличалась безыскусностью, простотой и мелодии григорианских хоралов базировались на том же принципе естественности. Некоторая монотонность хоралов отражает представление средневекового человека о пространстве, которое ограничивается полем его зрения. Также и представление о времени было связано с идеей повторяемости и неизменности.

Григорианское пение, как господствующий музыкальный стиль, к IX веку окончательно утвердилось на всей территории Европы. Тогда же в музыкальном искусстве произошло величайшее открытие, оказавшее влияние на всю его дальнейшую историю: ученый-монах, итальянский музыкант Гвидо из Ареццо (Аретинский) изобрел нотную запись, которой мы пользуемся и по сей день. Отныне и григорианский хорал можно было спеть по нотам, и он вступил в новую фазу своего развития.

С VII по IX век понятия «музыка» и «григорианский хорал» существовали нераздельно. Изучая мелодику хоралов, средневековые музыканты и певчие хотели украсить их, но изменять церковное пение не разрешалось. Выход был найден: над хоральной мелодией на равном удалении от всех ее звуков был надстроен второй голос, который в точности повторял мелодический рисунок хорала. Мелодия казалась утолщенной, удвоенной. Такие первые двухголосные сочинения получили названия органумов, так как нижний голос, в котором звучал хорал, назывался vox principalis (основной голос), а верхний, присочиненный – vox organalis (дополнительный голос). Звучание органумов вызывало ассоциации с акустикой храма: оно было гулким, глубоким. Далее, на протяжении XI-XIII веков, двухголосие выросло до трех- (triptum) и четырехголосия.

Помимо церковного искусства, с развитием европейских городов и экономики, в Средние века произошло рождение нового искусства. Простые люди (горожане, крестьяне) часто видели в своих поселениях бродячих актеров и музыкантов, которые танцевали, разыгрывали театрализованные представления на разные темы: об ангелах и Пресвятой Богородице или о чертях и адских муках. Это новое светское искусство пришлось не по вкусу аскетическим служителям церкви, которые находили в легкомысленных песнях и представлениях происки дьявола.

Расцвет средневековых городов и феодальных замков, интерес к светскому искусству, который охватывал все сословия, привели к появлению первой профессиональной школы светской поэзии и музыки – школы трубадуров, которая возникла на юге Франции в XII веке. Аналогичные немецкие поэты и музыканты назывались миннезингерами (мейстерзингерами), северофранцузские – труверами. Будучи авторами стихов, поэты-трубадуры выступали одновременно и как композиторы, и как певцы-исполнители.

Музыка песен трубадуров выросла из поэзии и подражала ей своей простотой, шутливостью, беззаботностью. Содержание таких песен обсуждало все жизненные темы: любовь и разлуку, наступление весны и ее радости, веселую жизнь странствующих студентов-школяров, шалости Фортуны и ее капризный нрав и др. Ритмичность, четкое членение на музыкальные фразы, акцентность, периодичность – все это было свойственно песням трубадуров.

Григорианское пение и лирика трубадуров – два самостоятельных направления в средневековой музыке, однако, при всей их контрастности, можно отметить и общие черты: внутреннее родство со словом, склонность к плавному, витиеватому голосоведению.

Вершиной раннего многоголосия (полифонии) стала школа Нотр-Дам. Музыканты, принадлежавшие к ней, работали в Париже в соборе Парижской Богоматери в XII-XIII веках. Им удалось создать такие многоголосные структуры, благодаря которым музыкальное искусство стало более самостоятельным, менее зависимым от произнесения латинского текста. Музыка перестала восприниматься как его поддержка и украшение, она теперь предназначалась специально для слушания, хотя органумы мастеров этой школы по-прежнему исполнялись в церкви. Во главе школы Нотр-Дам стояли профессиональные композиторы: во второй половине XII века – Леонин, на рубеже XII-XIII веков – его ученик Перотин.

Уже в органумах Перотина был придуман способ продления музыкальной формы. Так, музыкальная ткань расчленялась на короткие мотивы, построенные по принципу подобия (все они представляют довольно близкие варианты друг друга). Перотин передает эти мотивы из одного голоса в другой, создавая нечто вроде мотивной цепочки. Пользуясь такими сочетаниями и перестановками, Перотин позволил органумам разрастись по масштабам. Звуки григорианского хорала, помещенные в голос cantus firmus, располагаются на большом расстоянии друг от друга – и это также способствует расширению музыкальной формы. Так возник новый жанр – МОТЕТ; как правило, это трехголосное сочинение, получившее распространение в XIII веке. Красота нового жанра заключалась в одновременном сочетании разных мелодических линий, хотя они, по сути, являлись вариантом, дублировкой, отражением основного напева – cantus firmus. Такие мотеты назывались «упорядоченными».

Однако большей популярностью у публики пользовались мотеты, которые, в противоположность мотетам на cantus firmus, утрировали принципы разноголосия: некоторые из них даже сочинялись на разноязыкие тексты.

Средневековые мотеты могли быть как духовного, так и светского содержания: любовного, сатирического и т.п.

Раннее многоголосие существовало не только как вокальное искусство, но и как инструментальное. Для карнавалов и праздников сочинялась танцевальная музыка, песни трубадуров также сопровождались игрой на инструментах. Были популярны и своеобразные инструментальные фантазии, похожие на мотеты.

XIV век в западноевропейском искусстве называется «осенью» Средневековья. В Италию уже пришла новая эпоха – Возрождение; уже творили Данте, Петрарка, Джотто – великие мастера раннего Ренессанса. Остальная Европа подводила итоги средних веков и ощущала рождение новой темы в искусстве – темы индивидуальности.

Рекомендовалось оставить в прошлом и однообразный ритм (модальный) и пользоваться вновь открытой мензуральной (измерительной) нотацией, когда короткие и длинные звуки относятся друг к другу как 1:3 или 1:2. Таких длительностей много – максима, лонга, бревис, семибревис; каждая из них имеет свое начертание: более длинные звуки не заштриховываются, более краткие изображаются черным цветом.

Ритм стал более гибким, разнообразным, можно использовать синкопы. Менее строгим стало ограничение на использование иных, кроме диатонических церковных ладов: можно употреблять альтерации, повышения, понижения музыкальных тонов.

Источник