Древние художники изображали на рисунках что
Живопись в эпоху Древнего мира
Широкое распространение живопись имела и в уже более развитых культурах Древнего мира. До наших дней сохранились прекрасные росписи храмов и гробниц Древнего Египта, фрески, созданные представителями крито-минойской цивилизации и живописные произведения мастеров эпохи Античности.
Живопись Древнего Египта (4 тыс. до н. э. – 4 в. н. э.) имела свои характерные особенности, поскольку создание изображений здесь было всегда подчинено строгим правилам, так называемому канону. Например, лицо человека или божества было принято изображать в профиль, так же как руки и ноги, а верхнюю часть туловища – анфас. В те времена художники не умели еще передавать игру цвета и изображать полутона. Основными цветами были белый, черный, красный, синий, желтый и зеленый.
Краски изготавливались из минералов – извести, древесного и каменного угля, железной и медной руды, и долго не теряли своей яркости. Чтобы росписи сохранялись дольше, их покрывали слоем смолы. Живопись в Древнем Египте служила преимущественно для украшения гробниц, храмов, дворцов и зданий, где жили знатные люди. Широкое распространение имели также живописные изображения на папирусе, например, многочисленные копии священной «Книги мертвых».
Некоторые ученые склонны считать, что искусство Древнего Египта повлияло и на живописные произведения, появившиеся на острове Крит во 2 тыс. до н. э. И хотя общие принципы живописной передачи человеческого тела схожи с Древним Египтом (например, совмещение ракурсов в профиль и анфас), крито-минойская живопись все же была не столь схематична и носила скорее светский характер. Шествия, праздники, соревнования, обряды и пиры – вот основные темы, которые использовали художники крито-минойского периода. Живопись была главным украшением дворцовых покоев, примером чему служит знаменитый Кносский дворец. Стены дворца заполняли росписи в виде фризов или панелей. В них преобладали яркие и светлые оттенки, которые не служили раскраской внутри контура, как в египетских памятниках, а наносились цветовым пятном, динамичным и подвижным.
Считается, что именно критские мастера первыми начали использовать технику фрески, то есть роспись по сырой штукатурке. Фрески могли представлять собой масштабные картины, которые занимали значительные площади. Для их создания требовались качественные краски, и критские художники освоили технику приготовления красителей в совершенстве. Они использовали минеральные вещества, в которые добавляли различные связующие ингредиенты. В результате цвета получались достаточно яркими, и использовалась вся палитра – красный, желтый, зеленый, черный, синий. Краски были настолько стойкими, что многие фрески, изготовленные в этот период, смогли сохраниться до наших дней. Их отличает исключительная декоративность и контрастность цветовых сопоставлений, что говорит об учете художниками освещения рассеянным или слабым светом, поскольку в постройках того времени практически не было окон, а в качестве источника естественного света служил открытый потолок.
Роспись керамики дает нам также основное представление о живописи Древней Греции, других образцов которой практически не сохранилось до наших дней. Поначалу это были простые узоры, но в течение столетий роспись развивалась и усложнялась и уже могла представлять собой целые сюжеты с детальным изображением людей, их одежды, предметов быта. Сама техника росписи также менялась. Керамику обжигали, и ее цвет становился красно-коричневым. На этом фоне рисовали черные изображения. Такой стиль получил название черно фигурный.
В Древней Греции несомненно существовали и другие виды живописи. Литературные источники подтверждают, что IV в. до н. э. является периодом расцвета этого вида искусства. Живописцы создавали станковые картины разных жанров: натюрморты, портреты, военные сцены, исторические картины. В IV в. до н. э. в городе Сикион появляется одна из первых академий живописи со своими правилами преподавания теории живописи с использованием приемов перспективы. К сожалению, картины мастеров, творивших в это время, до нас не дошли.
Есть среди легенд Древней Греции и предание о том, как появилась первая картина: одна девушка не хотела расставаться со своим возлюбленным, который должен был идти на войну. Во время их ночного свидания светила полная луна, и когда тень юноши возникла на белой стене, девушка взяла кусок угля и обвела ее. Их свидание оказалось последним, юноша погиб, но силуэт его тени так и остался на стене, и эта теневая картина еще долго хранилась в одном из храмов города Коринфа.
Принято считать, что уже во второй половине V в. до н. э., когда жили Зевксис и Паррасий, художниками были разработаны основные принципы линейной и воздушной перспективы, а также светотеневой моделировки. По свидетельствам древних, работам живописцев уже в то время был свойственен особенно тонкий и богатый колорит.
Настоящая революция в области живописи и методов обучения ей приписывается жившему примерно в то же время Аполлодору Афинскому (ок. V в. до н. э.), которого Плиний относит к «светочам искусства». Аполлодора называют первым скиографом, то есть тенеписцем, и вместе с тем первым станковым живописцем, включившим в технику живописи смешивание красок и их градаций сообразно свету и тени. Заслуга Аполлодора заключалась в том, что он впервые ввел светотень и стал модулировать тоном объем формы в рисунке. До сей поры греческие художники изображали форму предметов одними линиями и не представляли себе, как можно иначе передать форму предмета на плоскости. Современному художнику тональная моделировка формы кажется обычным делом, но в то время светотень в рисунке, создававшая иллюзию реального объема, почиталась за чудо.
Согласно историкам, в Древней Греции существовали и свои картинные галереи, например, часть постройки на афинском Акрополе, называвшаяся Пинакотека.
Многие картины древних греков создавались по принципу заполнения силуэта – сначала на картине рисовался контур фигуры, почти так же, как сказано в легенде, и лишь потом контур начинали раскрашивать. Изначально красок было всего четыре – белая, черная, красная и желтая. Они основывались на цветных минералах и замешивались на яичном желтке или на растопленном воске и разводились водой. Картины писались на досках или на сырой штукатурке. По свидетельству Витрувия, в Древней Греции для отделки наружных и внутренних стен сооружений использовалась известковая штукатурка в несколько слоев с выглаженной до блеска поверхностью.
В I в. до н. э. древнеримская живопись начала отходить от этрусских традиций и обратилась к греческим. Древние римляне считали, что живопись является только средством передачи образов, поэтому она не должна быть корпусной или пластически грузной. Тематика картин часто восходила к установленным образцам, которые воспроизводились по памяти. Нередко создавались и копии с произведений греческих мастеров.
Единственными сохранившимися образцами станковой античной живописи являются фаюмские портреты, изображающие жителей древнего Египта в I—III веках н. э., когда страна находилась под властью Древнего Рима. После завоевания Египта сначала Александром Македонским, а затем Римом в местном искусстве произошли значительные изменения, одной из отличительных черт которого стал погребальный портрет – уникальная художественная форма своего времени. Фаюмские портреты – это поразительно реалистичные изображения мужчин и женщин всех возрастов. Они создавались еще при жизни заказчика и могли находиться в его доме, а после смерти выполняли функцию погребальной маски для мумии умершего.
Важная особенность фаюмских портретов – использование тончайшего сусального золота. На некоторых из них позолочен весь фон, на других золотом выполнены только венки или головные повязки, иногда подчеркнуты драгоценности и детали одежды. Основу для этих своеобразных картин составляла древесина различных пород: местных (платан, липа, смоква, тис) и импортированных (кедр, сосна, ель, кипарис, дуб). Некоторые портреты выполнены на загрунтованном клеем полотне. Произведения более раннего периода писались в технике энкаустики, позднее художники стали использовать темперу.
Почему первобытные художники рисовали животных
Почему первобытные художники рисовали животных? Ответ на этот учёные ищут до сих пор, несмотря на то, что люди давно интересуются этой темой. В наше время создано множество археологических учреждений, занимающихся этим вопросом. Даже в школах с самого начала изучения истории (обычно это 4 класс), когда тема заходит о древних людях, в первую очередь детям рассказывают о рисунках на пещерах и скалах.
Рисунки первобытных людей уникальны и неповторимы. Они мастерски передавали анатомию животных, их движения, повадки. На счёт того, почему именно животные являлись натурой для первобытного творчества есть несколько гипотез. Постараюсь кратко рассказать о каждой из них.
Первобытные люди рисовали животных из религиозных побуждений
Древний человек был намного больше склонен к мистицизму, чем человек современный. За решением своих проблем он прежде всего обращался к богам. А какая главная проблема первобытного человека? Охота. Есть нужно было ежедневно, а дичь поймать не так просто. Но ведь свою мысль до богов нужно ещё и донести, указать какое именно животное нужно поймать. С этой целью создавались рисунки в пещерах или на скалах. Нередко учёные обнаруживали рисунки с животными, пронизанными копьями или другими орудиями, что так же подтверждает версию обращения к богам.
Первобытные художники изображали окружающий мир
Ещё один ответ на поставленный вопрос «Зачем древние люди рисовали животных?» кроется в подсознательном стремлении человека изобразить свою повседневную жизнь. Если говорить кратко, первобытные люди рисовали животных на стенах потому, что хотели показать, что происходит в их жизни. Первобытные художники были намного ближе к природе, чем мы и животные постоянно попадались им в течении прожитой жизни. В пещерах, в которых они жили, изображалась жизнь такой, какой они её видели. Интересно, что это желание живёт в нас до сих пор. Художники изображают жизнь в своих картинах, музыканты – в музыке, писатели – в произведениях.
Передать опыт будущим поколениям
Есть гипотеза, которая гласит: первобытные художники рисовали животных, чтобы передать опыт будущим поколениям. Устная речь у древних людей была развита очень плохо. Почему они не могли передать его на личном опыте? Ответ прост, смертность была очень высокой. Возраст, когда современные дети идут в 4 класс переживали лишь 60% людей. А это всего лишь 10-12 лет. И поэтому, часто получалось так, что древние люди не успевали передать все нужные знания своим потомкам. По этой причине они оставляли на скалах своеобразные «инструкции» о том, как ведут себя животные в различных ситуациях, и как устраивать охоту на них.
Итак, подведу итог, кратко описав всё, сказанное выше. Причина, почему древние люди рисовали животных точно не установлена, но имеются 3 ведущие гипотезы: с целью проведения ритуалов, показать свою повседневную жизнь или передать опыт потомкам.
От наскальных изображений до рисунков великого Пушкина: История портретного профиля
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Уроки рисования: профили древности
Предки современного человека умели создавать образы себе подобных еще в период палеолита. Сохранившиеся наскальные рисунки демонстрируют сцены из жизни пещерного человека, причем животные и люди, как правило, нарисованы в профиль.
В Древнем Египте голову человека изображали также с бокового ракурса, в то время как тело было развернуто к зрителю. Таких же правил придерживались ассирийцы и художники ранних периодов цивилизации Древней Греции. Дело в том, что рисование профиля требовало от мастера значительно меньше навыков, чем использование других ракурсов, позволяя тем не менее добиться сходства с оригиналом и реализовать цели произведения.
Одним из самых знаменитых древних профильных портретов стала «Парижанка», фреска из Кносского дворца на Крите, изображающая молодую девушку. Названная так первооткрывателем минойской цивилизации Артуром Эвансом, «Парижанка» демонстрирует стиль, в котором работали художники Древнего Крита.
С постепенным совершенствованием навыков античных мастеров появлялись и другие способы изображения человека, но к профилям продолжали обращаться довольно часто – прежде всего при чеканке монет. При изготовлении камей – украшений, которые ведут историю с четвертого века до н.э. и представляют собой барельеф, выполненный на драгоценных или полудрагоценных камнях, также часто прибегали к профильному изображению, которое было проще изготовить с максимальным сохранением сходства и с меньшим риском испортить камень в случае неудачи.
Профили античности можно разделить на «греческие» и «римские»: первые отличаются единой линией лба и носа, вторые – орлиным, крючковатым носом. Падение Римской империи и последующие времена средневекового упадка в изобразительном искусстве привели к утрате художниками навыков рисования человека вообще и профильных изображений в частности. Но именно монеты античности помогли спустя тысячелетие возродиться жанру портрета в Европе. Они стали образцом для художников новой культурной эпохи.
Кого и почему изображали в профиль в эпоху Возрождения
Начало эпохи Ренессанса связано с обращением к портрету человека, как живописному, так и психологическому. Художнику стала интересна личность того, кто появлялся на холсте, и внимание к человеку как к созидателю, творцу, вывело изображение человека на первый план. По прежним, средневековым, канонам, все внимание должны были приковывать к себе фигуры Христа, Мадонны и святых, к кому следовало направлять молитвы. Зрительный контакт между образом на картине и стоящим перед ней человеком достигался изображением этих фигур анфас. Тех же, кто не мог являться адресатом такого религиозного обращения, рисовали в профиль. Так традиционно изображали лицо Иуды на картинах с сюжетом Тайной вечери, так же поступали с образами бесов.
Картины раннего Возрождения часто создавали по заказу богатых ценителей искусства, а потому на холстах этого периода встречаются профили таких донаторов, жертвователей – как правило, смиренно склонившихся перед фигурой святого, но все же занимающих заметное место в композиции. Согласно традиции, мужчины-донаторы размещены по правую руку от святого, женщины – по левую.
Художники постепенно вносили в свои произведения все больше реализма, все дальше отходя от традиций средневековой живописи.
Лица для светских портретов долгое время писали в профиль – таким способом художники относительно легко добивались сходства. Один из самых ранних портретов содержит образ французского короля Иоанна II Доброго. Часто художнику заказывали посмертные портреты для семьи умершего.
Но с развитием навыков художников, появлением множества школ и при возрастающем интересе к произведениям живописи каноны менялись. Все большее значение уделялось правильной передаче сущности, личности персонажей, картины становились объемнее. Если в начале XV века фон для фигуры был однотонным и плоским, уже во второй половине на дальнем плане появляется пейзаж, картина приобретает глубину, возникает перспектива.
Становится популярным поворот лица на картине «три четверти», этот прием все чаще используется при выполнении заказов на одиночные портреты. Первым же, кто полностью «развернул» лицо на картине к зрителю, анфас, стал Альбрехт Дюрер, создавший в 1500 году революционный и даже эпатажный в своем роде автопортрет. Ранее такой ракурс допускался лишь при изображении святых.
Знаменитые профили
В дальнейшем устаревшая манера создания портрета постепенно сходила на нет. К профилям обращались лишь при необходимости, когда того требовали сюжет и композиция картины. Порой художнику требовалось обратить внимание зрителя к центру картины или, наоборот, за ее пределы, в таком случае прием с изображением профиля оказывался удачным.
В сфере чеканки монет и медалей роль профиля оставалась неизменной – портреты правителей и других выдающихся личностей продолжали изображать на металле и в новое время.
В рассказе О. Генри «Волшебный профиль» воспета трогательная любовь старой скупой миллионерши к воспитаннице, секрет которой заключен в том, что девушка очень похожа на женскую головку на серебряном долларе. Монеты с изображением на аверсе женского профиля действительно чеканились в Соединенных Штатах на протяжении нескольких веков. Голова девушки, изображенная на серебряном долларе, символизировала свободу.
Профильный портрет за счет относительной простоты исполнения может быть выполнен не только художником, но и обычным любителем рисования. Знаменитые зарисовки Александра Сергеевича Пушкина, которые становятся теперь самостоятельными экспонатами выставок, в основном состоят из профилей знакомых поэту людей, героев его произведений, автопортретов, которых Пушкин оставил более пятидесяти.
Схватывать главные черты человека и в несколько штрихов создавать похожее на оригинал изображение – в этом, пожалуй, и заключена как простота, так и большой потенциал профильного портрета, который всегда востребован, в том числе в карикатуре.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
Секрет живописных развалин: как выглядят руины глазами художников
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Картины с изображением древних развалин
Руины уже очень давно отличались этим свойством – будоражить воображение, ведь они представляли собой следы ушедших в прошлое цивилизаций, а значит, давали ключ к пониманию целых миров. Интерес к развалинам – очень давнее явление, как и интерес человека к познанию и изучению самого себя. Много веков назад древние греки приходили к руинам Ниневии и Вавилона, уже разрушенным ко времени расцвета цивилизаций античности. Пройдет время – и уже храмам афинского Акрополя доведется стать руинами, вдохновляющими художников служить источником вдохновения для цивилизации нового времени.
Древние храмы, руины давно разрушенных дворцов и храмов – не просто живописный фон для искусства настоящего, но еще и символ преемственности, передачи мудрости ушедших поколений новым. Среди развалин при достаточно живом воображении можно заметить и призраков – ведь именно среди руин храмов полагалось бы искать пристанище древним богам, а в недрах разрушенных замков – душам их владельцев, не нашедшим покоя. Еще больше привлекательности старинным развалинам придавали загадки, касающиеся их появления и последующего разрушения. Стоунхендж, например, представлялся творением гигантов, которыми управлял волшебник Мерлин.
Особенный интерес к руинам возник во времена Возрождения. Развалинам античного периода уделялось много внимания – их изучали художники наравне с анатомией: и то, и другое требовалось для выведения искусства живописи на новый уровень. Следы древнеримской культуры были для эпохи Ренессанса символом просвещения и передачи знаний, еще недавно казавшихся утраченными.
Не один, не два и даже не одна сотня художников посетили Италию в период обучения мастерству живописца – это было частью обязательной программы. Римский Форум, Колизей, Пантеон тщательно изучались и многократно воспроизводились на холстах и рисунках. Со временем, правда, для того, чтобы повысить привлекательность произведений с изображениями развалин, художники стали выстраивать композицию по-своему, без учета истинного расположения руин.
Это приводило к интересным последствиям – например, Джованни Баттиста Пиранези, архитектор, прославившийся своими изображениями зданий и руин, настолько живописно изображал Рим, что после знакомства с самим городом туристы бывали разочарованы: на произведениях мастера вечный город выглядел гораздо ярче и выразительнее, чем в действительности.
Путешествия во времени – как могли бы выглядеть древние храмы раньше или современные здания в далеком будущем
Сначала руины древних храмов были фоном, декорацией для библейских сюжетов, а позже стали украшать и произведения относительно нового жанра живописи – пейзажа. Оказалось, что развалины прекрасно вписываются в природный ландшафт, а живые деревья и цветы гармонично дополняют каменные сооружения. Такие картины пользовались все большим спросом у покупателей, и в XVII веке появился отдельный жанр – каприччио.
Художники не просто переносили на холсты изображения реально существующих руин – они придумывали новые. Фантазировали и относительно того, как могли когда-то выглядеть разрушенные античные строения. Французский художник Юбер Робер, прозванный «Робер из развалин» и занимавший пост хранителя Королевского музея в Лувре, создал около тысячи картин, изображал реальные и воображаемые развалины, вдохновляясь теми руинами, что посещал сам.
Открытые по второй половине XVIII века Помпеи и Геркуланум – римские города, погибшие в начале новой эры в результате извержения Везувия – лишь прибавили интереса к теме руин, впрочем, никогда не утихавшего в среде художников, любителей живописи и коллекционеров.
Не только ушедшие в прошлое средиземноморские цивилизации давали вдохновение художникам. Многообещающей в художественном смысле оказалась история разрушенных британских аббатств – тех, что выглядели тихо и торжественно днем и становились, конечно же, пристанищем привидений в ночной тиши.
На протяжении всего XIX века художники изображали руины в самых фантастических их видах, увлеченные идеей бренности всего сущего, а история неумолимо приближала те дни, когда и то, что создано в новое время, и то, что удавалось сохранять с давних времен, превратится в развалины.
Руины XX и XXI века
Если пал Рим, то же однажды может случиться и с другими процветающими сейчас городами и державами – так рассуждали руинисты. В качестве творческих экспериментов появлялись картины-фантазии о том, как могли бы выглядеть руины существующих зданий. Но наступило XX столетие, и в развалинах больше не было недостатка – теперь они были не отзвуком давно ушедшего, а трагическим сопровождением века мировых войн.
Изменилось настроение произведений живописи и графики; особенно это было заметно в отношении творчества тех художников, что раньше изображали античные руины. После поэтичной, романтизированной составляющей пасторали или величественного фона для библейских мифов руинам стали отводить главную роль в сюжетах, а сами картины транслировали уже не торжество и покой, а печаль и опустошенность.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми: