какие существуют теории происхождения искусства
какие есть теории происхождения искусства? какие есть теории происхождения искусства?
ПРОИСХОЖДЕНИЯ ИСКУССТВА ТЕОРИИ —
1) согласно религиозной теории происхождения искусства красота является одним из имён Божьих, а искусство — конкретно-чувственным выражением божественной идеи;
2) теория игры (Г. Спенсер, К. Бюхер, В. Фриче, Ф. Шиллер) трактует искусство как самоцельную игру, лишённую какого-либо содержания. Так как игра старше труда, то искусство как естественное природное явление старше производства полезных предметов. Его основная цель — удовольствие, наслаждение;
3) эротическая теория (Н. Нардау, К. Ланге, 3. Фрейд и др. ) пытается обосновать возникновение искусства необходимостью привлечения внимания представителей противоположного пола (украшательство, призывные музыкальные звуки и т. п.) ;
4) теория подражания (Демокрит, Аристотель и др. ) стремится соединить причину возникновения искусства с социальным назначением человека. Причинами зарождения искусства Аристотель считал естественные склонности человека к имитации, подражанию природе;
5) марксизм на первый план выдвигает общественно-историческую практику, производственную деятельность людей.
На протяжении всей истории человек и искусство были неразрывно связаны. Осознание человеком самого себя отражается в каменных фигурках, в чертах памятников архитектуры. Человеческие качества и чувства запечатлены в произведениях живописи, скульптурных группах. Проблемы бытия, религии, мироощущение нашли свое отражение в произведениях искусства.
Помощь в познании мира через эмоциональное восприятие его, расширение кругозора, пробуждение творческих сил, формирование духовного облика человека — функции искусства. Момент обращения человека к художественному творчеству, быть может является величайшим открытием, не имеющим себе равного в истории по тем возможностям, которые в нем заложены. Искусство не существует вне времени и общества, по своему содержанию оно социально и неразрывно связано с национальной традицией и эпохой.
Советский психолог Л. С. Выготский писал: «Искусство есть социальное в нас. — есть общественная техника чувства, орудие общества, с помощью которого оно вовлекает в круг социальной жизни самые интимные и самые личные стороны нашего существа».
Художник, переосмыслив увиденное, по-своему разгадав тайны бытия, с помощью системы художественных образов старается передать свое мироощущение, вовлекая нас в сложный процесс самопознания, заставляя работать не только наши глаза, мозг, но и воображение, мобилизующее к действию наши духовные силы.
История искусства в истории человечества представляет собой сложную картину развития различных национальных школ, течений, стилей, взаимопроникновений форм и традиций, не знающих временных и географических границ, благодаря чему в ступенчатых формах православных храмов, богатством декора не уступающих образцам французского барокко, прослеживаются геометрически аскетичные линии Египетских пирамид, а русские иконы смотрят на нас глазами ликов, написанных кистью византийского художника.
В своей работе я хотела бы провести вас по основным вехам развития искусства и показать, как человек, изменяясь, творил новое, нечто отличное от прежнего, как его творения изменяли самого творца, как рождались и умирали цивилизации, и что осталось вечным напоминанием о их существовании.
Истоки искусства уходят в глубокую древность. Проблема происхождения искусства на протяжении многих столетий волнует лучшие философские умы, но о художественной деятельности человечества на ранних стадиях развития известно не слишком много. Многочисленные произведения изобразительного искусства (наскальные росписи, скульптурные изображения из камня и кости) появились значительно раньше, чем сформировалось сознательное представление человека о художественном творчестве. Зарождение искусства восходит к первобытной эпохе, когда человек впервые попытался отразить свои представления об окружающем мире в искусстве, что способствовало закреплению и передаче знаний и навыков, возникновению еще одной формы общения между людьми. Согласно данным археологов уже в эпоху палеолита (древнекаменного века) около 35-10 тыс. до н. э. появились основные виды изобразительного искусства (скульптура, живопись, графика).
Надо отметить, что в первобытном обществе художественная деятельность человека была неразрывно связана со всеми существовавшими формами духовной и материальной культуры: мифологией, религией, бытовым укладом. Художественная, духовная культура существует в тесном единстве с материальной, образуя первобытный синкретический, т. е. единый, культурный комплекс, который лишь спустя столетия распадется на самостоятельные сферы культуры: религию, искусство (во всем разнообразии его форм), спорт, науку. Изображения, воспроизведенные рукой первобытного человека, являются звеном единой цепи художественно-религиозно-театрального магического действа, отражающего синтез материальной и духовной культуры человека той да
Какие существуют теории происхождения искусства
2.Происхождение искусства.
Проблему происхождения искусства сравнивают по сложности с другими фундаментальными проблемами естествознания и гуманитарных наук — происхождение жизни и происхождение языка.
Существуют несколько теорий происхождения искусства:
1. Теория макарон (меандров). Автор Брейль.
Гипотеза «макарон», или меандров. Именно в геометрии меандров и в их конфигурациях археолог А. Брейль видел предтечу контурно го рисунка зверя в начале верхнего палеолита, когда были отмечены пластичные свойства глины. Классические образцы отнесены к раннему ориньяку и представлены в пещерах Хорнос де ла Пенья, Альтамира, Гаргас. Однако известен такой памятник, как Пеш-Мерль, особенно богатый «пальцевыми чертежами», среди которых насчитывается 7 явных фигур, абрис которых передан двойной полосой. Но «не которая стилистическая неопределенность, как и «провинциальная отсталость» техники резко отличает эти изображения от ведущей линии художественной эволюции.
Интерес представляет основной смысл макаронного искусства — отдельная линия интереса не представляла, замысел заключался в создании «целой паутины». Однако большинство исследователей первобытного искусства придерживается мнения, что памятники такого типа не могли генетически породить строго сюжетное геометрическое изображение анималистической формы.
2. Теория руки. Автор Гущин А.С.
«Рукой» в первобытном творчестве называют негативное, трафаретное изображение (в ореоле) или позитивное пятно, повторяющее очертание руки, которое, по мнению Э. Картальяка, А. Брейля, А. де Рио, Г. Люке и др., дало начало первобытному искусству. Наиболее ранние изображения рук известны во многих пещерах Пиренеев, в частности, Альтамире, Гаргасе (более 200 изображений рук), Кастильо (около 50), в Италии, на Кубани. По логике и основной посылке эта гипотеза близка к гипотезе «макарон». Основная идея гипотезы заключается в простом психологизме — люди, как и звери, оставляют следы; этико-игровое наитие, сопричастность к основному сюжету или идее, которое впоследствии оформляется в идею декоративности, ощущение ритма и гармонии. Однако есть серьезные основания возразить сторонникам гипотезы, так как техника трафарета не является в генетическом и психофизическом отношении предшествующей технике анималистического рисунка.
3. Простой этап (сравнивание камня с образом животного). Автор Тайлор Э.Б.
Гипотеза «простого этапа» зародилась одновременно с палеолитоведением и была введена в науку Буше де Пертом, который отмечал, что камни странной и загадочной формы являются наиболее древними образами, символическими фигурами и первыми идолами, подготовленными для человека игрой природы. Основной смысл гипотезы заключается в том, что палеолитический человек увидел сначала в природных фигурах изобразительное подобие живых существ. Он начал дополнять их, моделировать, приближать к эталонам своего сознания и только затем приступил к самостоятельному творчеству. Доктрина «простого этапа» сводит все задачи основоположников творчества к поиску уже существующих природных форм (подобно гипотезе макарон), а в генезисе усматривается субъективное восприятие одного человека, а не коллективное, канонически устоявшееся действие
5.Трудовая гипотеза. А.П. Окладников считал, что одной из важнейших конкретных предпосылок для возникновения художественной формы деятельности явилось накопление технического опыта в производстве орудий и, прежде всего, в обработке камня, что предполагало чувство формы. Потребность в ритме и симметрии вырастали из трудовой деятельности, из элементарного процесса изготовления орудий, где неизбежно чередовались одни и те же трудовые приемы и манипуляции. Именно отсюда начинается путь к орнаментике. Уже на первых ступенях развития искусство составляло необходимую часть трудовой деятельности первобытной общины и было вплетено в производственный процесс, поэтому столь важное место в палеолитическом искусстве занимает изображение руки [Окладников, 1967].
6.Гипотеза фосфенов подразумевает зрительные ощущения, возникающие у человека без воздействия света на глаз. Основная идея заключается в появлении ярких форм голубоватого, зеленоватого, красноватого, желтоватого цветов в темноте в результате реакции сетчатки на механическое нажатие на глаза, воздействия психотропных веществ, электрического возбуждения сетчатки и участков коры головного мозга или при воздействии на сетчатку заряженных ионов (взаимодействия нейтронов с биологическим полем). Фосфены выражены в виде ярких вспышек, абстрактных знаков, искорок, пятен, пунктиров и т. п. При изучении этого эффекта у космонавтов установлено, что фосфены возникают как просто в темноте, так и при сильной ионизации воздуха. Именно такие реакции, возникающие в темноте пещер, возможно, побудили человека к воспроизведению того, чего они не видели в реальности, на свету. Отсюда и сложное отношение к пещерам как вместилищам сакрального.
Теории происхождения искусства.
Первые памятники художественной деятельности первобытного человека встречаются в юго-западной Европе, в Азии, на территории бывшего СССР, в европейской части и в Южной Сибири.
Основными источниками изучения первобытного общества являются археологические памятники. Наука о первобытном обществе широко пользуется также данными геологии, антропологии, палеоботаники, истории, мифологии, фольклора.
Ещё в конце XIX века история искусств открывалась разделами, посвящёнными Древнему Египту и Ассирии и таким образом, хронологически не входила за пределы IV – III тыс. до н. э. Но вот почти одновременно с изобретением телефона и кино человечество открыло для себя искусство древнего каменного века – палеолитическую живопись и скульптуру. И сразу же временные рамки истории искусств раздвинулись до сорока тысячелетий. Впервые причастность охотников и собирателей к изобразительному искусству была засвидетельствована знаменитым археологом Эдуардом Ларте, нашедшим в 1836 году в гроте Шаффо (департамент Вьенн) пластинку с гравировкой. Ларте опубликовал ее в 1861 году. Он же обнаружил изображение мамонтовой кости в гроте Ла Мадлен. Эта находка была воспроизведена в книгах 1860-1870-х гг., не вызвав особо острой полемики.
Иная судьба была у цветной наскальной живописи, открытой впервые в 1879 г. Речь идет о большой пещере Альтамира на севере Пиренейского полуострова.
В 1878 г. на Всемирной выставке в Париже испанский сеньор Марселино де Саутуола увидел орудия первобытного человека, его украшения, резьбу, добытые в пещерах долины реки Везер, притока Дордони. Саутуола вспомнил, что в 1862 году его слуги на охоте обнаружили большую подземную пещеру близ селения Альтамира. Саутуола решил заняться раскопками в этой пещере, предварительно взяв несколько уроков у археолога Пьетта. Первые поиски остались безрезультатными. Но в конце 1879 года были обнаружены каменные орудия. Ободренный успехом, Саутуола решил продолжать раскопки.
Однажды пятилетняя дочь Саутуолы Мария попросила взять ее с собой. И вот в низеньком боковом коридоре она увидела на потолке изображения красных быков. Она позвала отца, и тот был поражен, почувствовав на себе полный ужаса взгляд быка. Картины казались совсем свежими. Археологи заинтересовались открытиями Саутуолы. Наступил короткий период успеха. Но вот через некоторое время обстановка резко изменилась. На конгрессе в Лиссабоне по доистории вступили крупнейшие авторитеты в науке, заявляя, что живописи в Альтамире не более 20 лет и что здесь кроется прямой обман. Саутуола, покрытый позором, вскоре умер в одиночестве.
В кон. 80-х – нач. 90-х гг. XIX века во Франции стали появляться вполне достоверные сведения о находках палеолитического искусства, в том числе и пещерной живописи. Крупнейшие заслуги в изучении древнейшего искусства за рубежом принадлежали ученым Анри Брейлю, Пьетту, Картальяку, Леруа-Гурану и др. Среди русских ученых следует отметить труды А. Окладникова, А. Столярова, А. Формозова, Б. Фролова.
2. Так называемая “имитативная теория” определяет искусство как проявление инстинкта подражания (Лукреций, Конт, Сеченов, Даламбер). Элемент подражания действительно имеет место в искусстве и особенно ярко выражается в первобытном искусстве. Различные формы танцев: охотничьи, военные и др. основаны на подражании повадкам животных и действиям, связаны с войной, охотой и др. В известном смысле с этой точки зрения можно рассматривать и первобытное искусство, особенно его самую раннюю натуралистическую фазу.
4. “Теория игры”. Её сторонники (Ф. Шиллер, Спенсер, К. Блюхер, В. Фриче и др.) считают искусство разновидностью игры. В веселой игре-искусстве люди избавляются от хлопот и невзгод. Главное в искусстве то, что оно возникает ради чистого, не омраченного помыслами о хлебе насущном удовольствиями. Нельзя не согласиться с тем, что игровой момент действительно важен в искусстве, но нельзя его абсолютизировать. Сейчас почти никто не разделяет такой точки зрения. Если бы целью древнего человека были бы только игра и наслаждение, то зачем ему потребовалось покрывать живописью стены пещер чрезвычайно далеко от входа, иногда на расстоянии более километра, в полном непроницаемом мраке? Зачем было создавать образы животных высоко на потолке, так что смотреть на них можно было, только запрокинув голову?
Давая оценку этим теориям, отметим их неполный ограниченный характер, преувеличенное значение всевозможных инстинктов, присущих человеку.
5. Материалистическая теория. Наиболее полно, научно обоснованно и исторически грамотно дает ответ на вопрос о происхождении искусства материалистическая теория. (Г. Плеханов, Я. Рогинский, К. Маркс, Ф. Энгельс). Г. В. Плеханов считал, что своим происхождением искусство обязано не биологической природе человека, не религии, магии или игре, как это утверждают метафизики, а развитию общественной жизни и её основе – труду, который, по его словам, “старше искусства” Г.В. Плеханов особенно подчеркивает определяющую роль социального фактора в появлении и развитии художественной деятельности человека.
Следует признать наличие прямой связи между появлением Homo sapiens (примерно 40 тыс. лет до н.э.) и началом художественной деятельности (примерно то же время). Таким образом, только появление общественного человека могло вызвать к жизни тот специфический вид сознательной деятельности, который мы называем искусством. Homo sapiens совершенствует технику обработки камня, расширяет применение новых материалов – кости и рога. Сознательная трудовая деятельность – отличительная особенность человека. Труд позволил человеку шаг за шагом открывать для себя новые явления природы и результаты производственной деятельности.
Первобытному человеку понадобилось сотни тысячелетий, чтобы проделать путь от грубого рубила до острого тонкого резца, которыми были выгравированы на камне первые изображения. Та же деятельность развила подвижность руки и сделала способной к художественному творчеству.
Постепенно в процессе активно преобразующей трудовой деятельности совершенствовался сам человек, развивалось его сознание. В процессе труда стало возможным развитие истинно человеческих чувств. Развитие в труде духовных способностей привело к постепенному формированию эстетического чувства и эстетической потребности. Эстетическое чувство породило эстетическую потребность, которая формировалась и совершенствовалась в процессе производственно-трудовой практики.
Вопрос №3. Теории происхождения искусства
Вопрос №2. Роль и основные функции искусства.
— Общественно-преобразующая функция искусства проявляется в том, что оно, оказывая идейно-эстетическое воздействие на людей, включает их в направленную и целостно ориентированную деятельность по преобразованию общества.
— Утешительно-компенсаторная функция заключается в восстановлении в сфере духа гармонии, утраченной человеком в реальной действительности. Своей гармонией искусство влияет на внутреннюю гармонию личности, способствует сохранению и восстановлению ее психического равновесия.
— Художественно-концептуальная функция выражается в свойстве искусства анализировать состояние окружающего мира.
— Функция предвосхищения характеризует способность искусства предвосхищать будущее. На этой способности основаны фантастические, утопические и социально прогнозирующие произведения искусства.
Магическая теория происхождения искусства. Основоположником этой теории является английский учёный Анри Брейль. Он исследовал эволюцию первобытного искусства и пришёл к выводу, что древние изображения, скульптура и орнамент носят культовый характер.
Другие исследователи позже подтвердили этот вывод. Было установлено,что, например, орнамент на посуде, на одежде или предметах быта являлся своего рода «шифром», в котором были закодированы представления древнего человека о мире. Часто на украшениях и посуде встречаются солярные (солнечные) знаки.
Солнце воспринималось как источник блага, и знак солнца носил магический характер: оберегал от злых духов.
Противники этой теории указывают на то, что способность к художественной деятельности не исчезла вместе с концом эпохи всеобщей религиозности. Способность к художественному творчеству – это врождённое качество человека.
Имитативная теория. Представителями этой теории являются Демокрит, Даламбер, Конт. Так, Демокрит считал, что искусство возникает из подражания животным. Наблюдая за действиями животных, насекомых, птиц люди научились ткачеству (от паука), пению (от певчих птиц) и т. д.
Вопрос №4. Системы классификации видов искусств.
Искусство, как творческое отражение действительности, возникло и развивается как система многообразных взаимосвязанных между собой видов, соответствующих многогранностью самого отображаемого реального мира.
Согласно другой системе классификации, виды искусств подразделяют на три группы:
1. Пластические – изобразительное, декоративно-прикладное, архитектура, фотография;
Вопрос №5. Роды и жанры художественного творчества; их особенности в разных видах искусства.
Для пластических искусств, исследование которых и является предметом классического, искусство-знания, такие модификации выразили себя в способности формировать сложные структуры родов, жанров и видов искусства, а также исторических направлений, творческих методов и стилей.
Родовые градации пластических искусств относятся прежде всего к искусствам изобразительным и традиционно подразделяются на монументальный, станковый и декоративный род искусства.
Монументальное искусство – это род пластических искусств, который охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствует ей своими идейными качествами, а также зрительно-архитектоническим и цветовым строем. К монумен-тальному искусству относятся памятники и монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т.д. (некоторые исследователи относят к монументальному искусству также произведения архитектуры).
Монументальное искусство особенно активно развивается тогда, когда художественная культура эпохи проникнута ярко выраженным пафосом утверждения позитивных социальных ценностей. Истоки его восходят к первобытному обществу. В менгирах, культовых статуях и наскальных росписях воплощены представления первобытного человека о могуществе сил природы, закреплены его трудовые навыки. С появлением классов определяющими для монумен-тального искусства стали общественные взаимоотношения. Так, например, принципы монумен-тальности и статичности, господствовавшие в искусстве Древнего Египта, в условиях рабовла-дельческого общества должны были способствовать утверждению идеи незыблемости социаль-ного строя и обожествления личности властителя (так называемый Большой сфинкс в Гизе), но в исторически обусловленной форме воплотили также представления о силе человеческого разума, победе человеческого коллектива над силами природы.
Станковое искусство – термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и (в отличие, например, от произведений монументального искусства или книжной иллюстрации) не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений станкового искусства не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин «станковое искусство» произошел от «станка», на котором создаются произведения станкового искусства в живописи, например, им является мольберт. Широкое развитие станковое искусство получило с эпохи Возрождения и особенно в XIX в.
Декоративное искусство (от лат. decoro – украшаю) – род пластических искусств, который, как архитектура и дизайн, служит художественному формированию материальной среды, создава-емой человеком, способствует внедрению в нее эстетического и идейно-образного начала. Декоратив-ное искусство подразделяется на непосредственно связанное с архитектурой монументально-декоративное искусство (создание архитектурного декора, росписей, рельефов, статуй, витражей, мозаик, украшающих фасады и интерьеры, а также парковой скульптуры), декоративно-прикладное искусство и оформительское искусство (художественное оформление празднеств, экспозиций выставок и музеев, витрин и т.п.). Создаваемые как элемент или деталь композиции (площади, улицы, парка, здания, а также интерьера, костюма и т.д.) произведения декоративного искусства (в отличие от станковых) играют существенную роль в объемно-пространственной организации ансамбля. Идейно-образное удержание произведений декоративного искусства наиболее полно раскрывается при восприятии их в том ансамбле, для которого они предназначены.
Декоративно-прикладное искусство – раздел декоративного искусства; охватывает ряд отраслей творчества, которые посвящены созданию художеств, изделий, предназначенных главным образом для быта. Произведениями декоративно-прикладного искусства могут быть: различная утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, а также одежда и всякого рода украшения. Наряду с делением произведений декоративно-прикладного искусства по их практическому назначению в научной литературе со 2-й пол. XIX в. утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево) или по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, шитье, чеканка, интарсия и т.д.). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.
Так, познавательная избирательность художественного творчества порождает серию жанров, отличающихся по предмету отражения: например, исторический, пейзаж, портрет, натюрморт и другие – в живописи. С другой стороны, в скульптуре членение на жанры отражает не тематическое содержание, как в живописи и графике, а цель создания произведения и задачу. Так, одни и те же формы портрета могут служить жанру надгробия, кабинетной пластики, мемориала и т.д.
Вопрос №6. Основные черты первобытного искусства и проблемы его изучения.
Черты первобытного искусства:
1. Синкретичность. Характеризует его неразделенность, единство всех его проявлений.
2. Коллективистский и многофункциональный характер.
3. Символизм, то есть условный характер изображения.
Символический характер первобытного искусства приводит к появлению двух типов кодирования – эзотерическому (элитарному), доступного только узкому кругу избранных и экзотерическому, доступному всем.
Первая проблема. Сейчас искусство является особой областью культуры, границы которой вполне осознаются его создателями и «потребителями». Чем глубже в древность, тем эти представления были более размытыми. В сознании кроманьонца искусство еще не могло выделиться в какую-то особую область деятельности. Способностью к созданию изображений, как и сейчас, обладали редкие люди. Им приписывались некие сверхъестественные свойства, подобно позднейшим шаманам. Видимо, это ставило их в особые условия среди сородичей. О достоверных подробностях этих условий можно только догадываться.
Другой проблемой изучения первобытного искусства является то, что его и нас разделяет большое количество времени, что создает нам определенные трудности.
Вопрос №7. Характеристика основных этапов первобытного искусства. Проблема зарождения искусства.
Время «начала искусства»
Первым этапом первобытного искусства традиционно считается так называемое Ориньякско-Солютрейское время каменного века, 40-20 тысяч лет назад (по двум материальным культура, захватывающим этот промежуток времени). Первоначально считалось, что этот этап хорошо укладывается в схему линейного развития – от более простых форм искусства к более сложным. Действительно, большинство обнаруженных произведений первобытного искусства этого времени в общем и целом схематичны, просты и даже в определённой степени примитивны. Так, наскальные рисунки животных часто представляют собой лишь совершенно условный контур или рисунок, имеющий минимальное количество деталей. А каменные женские фигурки с гипертрофированными женскими чертами (широкие бёдра, большая грудь), ставшие настоящим символом этого времени палеолитические Венеры, также весьма просты и лишены изящества.
Эпоха с нежным женским именем
Ко второму этапу первобытного искусства обычно относят Мадленскую эпоху (от 20 до 12-10 тысяч лет назад), связанную с мадленской материальной культурой. Граница между первым и вторым этапом настолько условна, что сейчас полагают, что они были разделены скорее для технического удобства обозначения. Традиционно полагалось, что определённое совершенствование первобытного искусства в отношении наскальной живописи и скульптуры отмечалось именно в этом периоде, но сейчас это весьма спорное утверждение. Так, наскальная живопись существовала примерно в тех же рамках, что и до этого – существовали рисунки различной степени художественного совершенства, от примитивных контурных рисунков до виртуозных изображений.
Правда, на этом этапе стали чаще использоваться разноцветные краски природного происхождения, а также в широкий культурный обиход вошла практика первоначального высекания рисунка на камне, а затем его раскрашивание. Но всё же эти черты нельзя считать достижением Мадленской эпохи, они были хорошо известны и на предыдущем этапе. Также ещё более широкое распространение получило создание палеолитических фигур, которые также в своих основных чертах остались неизменными. Возможно, наиболее заметный прогресс действительно можно отметить в зверином стиле в миниатюрной скульптуре: прежде всего, костяные фигурки животных стали всё чаще быть более приближенными к реальности, чем раньше.
Всё ближе к цивилизации
Наибольшее число оснований для выделения в отдельный период у третьего этапа первобытного искусства, начало которого принято связывать с окончанием в Европе ледникового периода (12-10 тысяч лет назад), а окончание приурочивать к началу бронзового века – 6-5,5 тысяч лет назад. В данном случае действительно можно вести разговор о новых качественных чертах первобытного искусства. Это связано с появлением керамики, важнейшего пласта первобытного искусства. Как только был изобретён гончарный круг и количество керамических изделий стало расти, глиняные сосуды тут же превратились в отдельное поле для творчества. Причём такой статус они имели и сами по себе, благодаря возможности создавать сосуды различных форм, объёмов, размеров, с декоративными деталями, так и в силу наличия на них рисунков и орнаментов.
Первобытная живопись, которая перестала быть исключительно наскальной, также приобрела ряд новых черт. Прежде всего, значительно большее распространение получили абстрактные символы, орнаменты и тому подобное. Исследователи связывают это с усложнением абстрактного мышления человека, а также с развитием религиозных культов, которые хоть и не уходили далеко от реальных символов, всё же более активно пытались представить и отразить мир сверхъестественный. Орнаменты из различных зигзагов, спиралей, концентрических кругов, геометрических фигур и тому подобного прекрасно для этого подходил. Со сменой поколений художников накапливался и опыт в изготовлении костяных и каменных скульптур, которые в лучших своих образцах стали изящнее. Кроме того, по мнению ряда учёных, мегалитическая архитектура, особенно распространившаяся уже в бронзовом веке, появилась именно на этом этапе первобытного искусства.
Вопрос №8. Мифологическое сознание как форма познания в Древнем мире.
Вопрос №9. Общая характеристика искусства Древнего Египта.
Древнеегипетская архитектура отличается условностью и однообразием[1]. Это было связано с тем, что добыча камня и его обработка находилась в руках государства, методы работы установились так прочно, что не менялись на протяжении 3500 лет. Изолированность египетской цивилизации привело к тому, что в древнем государстве отсутствовала конкуренция в архитектуре, которая оказала бы благотворное влияние на ее развитие, как, например, в Европе. Еще одним важным фактором было отсутствие разнообразия строительного материала.
В Египте было мало архитектурных форм, характерных для этой страны, это также объяснялось ограниченностью строительного материала. Основными архитектурными формами были пирамида, пилон, колонна и пандус.
Скульптура Древнего Египта — одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Существовало также множество изображений, как в могилах простых египтян, в основном из дерева, некоторые из них сохранились. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее смотрение, как правило, на открытых пространствах и вне храмов.
Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена.
Существовал очень строгий канон создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях; существовали определенные правила изображения египетских богов. Так бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса — с головой шакала. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений.
Все рельефы в Древнем Египте ярко раскрашивались, меньше всего изображений было в гробницах, храмах и дворцах, там рисунки были только на поверхности. Каменная поверхность готовилась к покраске — грубый слой грязи с более мягким слоем гипса сверху, потом известняк — и краска ложилась более ровно. Строительные пигменты были, как правило, минеральными, дабы защитить изображения от солнечного света. Состав краски был неоднородным — яичная темпера, разнообразные вязкие вещества и смолы. В конечном счете настоящая фреска не получалась и не использовалась. Вместо этого использовалась краска на слое высушенного пластыря, т. н. «фреска a secco». Сверху живопись покрывалась слоем лака или смолы, чтобы сохранить изображение надолго. Небольшие изображения, выполненные в такой технике, хорошо сохранились, хотя на крупных статуях практически не встречаются[4]. Чаще всего, используя подобные методы, раскрашивались маленькие статуи, особенно деревянные.
Множество египетских картин сохранились благодаря сухому климату Древнего Египта. Картины создавались с намерением улучшить жизнь покойному в загробном мире. Сцены, изображенные на картине, представляли путешествие в загробный мир и встречу в загробном мире с божеством (суд Осириса). Также часто изображалась земная жизнь усопшего, чтобы помочь ему заниматься тем же в царстве мертвых.
В Новом Царстве вместе с умершим стали хоронить Книгу мертвых. Это считалось важным для загробной жизни.
Основными цветами были красный, синий, черный, золотой и зеленый.
Вопрос №10. Общая характеристика искусства Древнего Китая.
История Древнего Китая насчитывает 5000 лет. Становление культуры Поднебесной началось в период династии Цинь, которая просуществовала недолго, и продолжилось в период династии Хань. На рубеже тысячелетий Китай развивался достаточно интенсивно, и тогда же появилось искусство Древнего Китая.
Одновременно с появлением традиционной китайской живописи, развилось искусство керамики. Изготовление глиняных изделий не отличалось особой утонченностью, горшки и кувшины делались методом ручной лепки или на примитивном гончарном круге, но зато украшались керамические изделия в стиле высокого искусства. Яркие, красочные рисунки тиснились на поверхности вазы или кувшина, геометрически правильные узоры и орнаменты ритмически повторялись, создавая целые композиции. Через определенный период времени искусство керамики плавно перешло в знаменитый китайский фарфор, который высоко ценится и в наши дни. Китайская династия Хань интересна также искусством бронзового литья. Технологии были сложными, но готовый сосуд или ваза поражали совершенством узора. Древним китайским мастерам удавалось передать тончайшие изображения, целые сюжеты, животных и растения. По найденным в ходе раскопок глиняным формам можно восстановить картину появления бронзового литья, когда искусство Древнего Китая получило развитие по многим направлениям. Делалась глиняная копия будущего сосуда, затем прорисовывался узор на поверхности. После этого форма обжигалась и методом обратного оттиска создавалась другая форма, уже с рельефным рисунком. В эту форму заливалась расплавленная бронза, затем форма разбивалась на мелкие куски. Таким образом, керамическое искусство Древнего Китая характеризуется эксклюзивными изделиями.
Вопрос №11. Особенности китайской архитектуры.
Первые дома для устойчивости строились в углублении, имели круглую или квадратную форму. В 3 веке до н.э. были введены правила по устройству городов, где прописывались размеры улиц и сооружений. К 10 веку н.э. функциональная сторона жилища начинает уступать место декоративным элементам. Однако соблюдение принципов Фэн-шуй по-прежнему остается очень важным моментом. Так входная дверь должна быть расположена исключительно с южной стороны, а высота здания соответствовать статусу хозяина.
Одной из главных национальных особенностей архитектуры Китая является ее конструкция и строительные материалы. В основе древних сооружений обязательно находился деревянный каркас: столбы, балки, лаги и перемычки, которые несут на себе всю тяжесть дома. Об этом качестве говориться в одной поговорке: «фанза устоит, даже если ее стены разрушатся». Чтобы защитить дерево от разрушения его стали покрывать краской. Существенным недостатком древесины является ее недолговечность, подверженность гниению и отсутствие огнеупорности. Среди прочих материалов использовали: глину, камень, кирпич, бамбук, тростник и т.д.
Другой характерной чертой китайского зодчества всегда являлось поточное строительство. Благодаря этому возведение того или иного здания не прерывалось даже при изменении погодные условия. Все детали изготавливали по эталонным размерам по отдельности, а потом собирали в единое целое. Такой способ помогал увеличить скорость строительства в несколько раз. Так, например, Гугун, где насчитывается порядка тысячи комнат на площади более 700 тыс. кв. м. был возведен за тринадцать лет.
Внутренне деление на комнаты происходило с помощью легких ширм и перегородок. Внешне дом украшался барельефами, резьбой и лепными изображениями. Крыши традиционно делались изогнутыми и покрывались черепицей или бамбуком, в зависимости от статуса жильца. Такая форма по Фэн-шуй не позволяет скапливаться негативной энергии, и не дает злым духам проникнуть в жилище. С практической же точки зрения изогнутость создавала меньшее давление на каркас. На углах кровли размещались фигурки животных, каждая из которых имела свое значение. Так феникс или дракон символизировали благополучие и чаще всего служили украшением императорских домов.
Проследить национальные особенности архитектуры Китая можно, обратившись к его сохранившимся достопримечательностям. Как правило, при строительстве дворца, храма или обычного жилья используется комплексный принцип возведения. Объяснения этой тенденции находятся в традиционном менталитете, и ориентированности китайского общества на коллективизм.
Готовый ансамбль должен соответствовать принципу сыхэюань, что переводится как «двор, закрытый с четырех сторон». Согласно ему жилые постройки располагаются по всем четырем сторонам огороженной территории, при этом входная дверь в помещение смотрит во двор, а со стороны, которая выходит на улицу, находится чистая стена. Родителям всегда отдавалось лучшее помещение, а дети жили в домах по соседству.
Соблюдался в комплексе и принцип «золотого сечения». Здания строились таким образом, что в центре двора располагались самые важные из них, а остальные по бокам от него. Это принцип касается не только отдельных ансамблей, но и целых городов. Внутренняя планировка всегда имеет строго симметричный характер.
Если планировалось строительство в местах с неровным рельефом, то архитектурный план разрабатывали применительно к существующим условия. При этом обязательно соблюдались все вышеперечисленные принципы. Отличительной особенностью такой страны как Китай, является то, что полученный за многие века опыт применяется и в наше время для возведения высокотехнологичных небоскребов.
Вопрос №12. Общая характеристика искусства Древней Руси и традиционные ремесла славян.
В пору уже своего государственного становления Русь испытывала сильное влияние соседней Византии, которая для своего времени была одним из наиболее культурных государств мира. Таким образом, культура Руси складывалась с самого начала как синтетическая, т.е. находящаяся под влиянием различных культурных направлений, стилей, традиций.
Одновременно Русь не просто слепо копировала чужие влияния и безоглядно заимствовала их, но применяла к своим культурным традициям, к своему дошедшему из глубины веков народному опыту, пониманию окружающего мира, своему представлению о прекрасном. Поэтому в чертах русской культуры мы постоянно сталкиваемся не только с влияниями извне, но с их порой значительной духовной переработкой, их постоянным преломлением в абсолютно русском стиле.
Особенность зодчества Руси проявлялась, с одной стороны, в следовании византийским традициям (вначале и мастера были преимущественно греки), с другой — сразу наметился отход от византийских канонов, поиск самостоятельных путей в архитектуре. Так, уже в первой каменной церкви — Десятинной — наметились такие не характерные для Византии черты, как многокупольность (до 25 куполов), пирамидальность — это чисто русское наследие деревянного зодчества, перенесенное на каменное.
Древнерусское зодчество при наличии большой монументальности, тем не менее, характеризуется чрезвычайной пластичностью форм, каким-то особым ощущением их спокойствия и незыблемости, соизмеримостью с размерами человека, его масштабами и потребностями.
Основными видами живописи в Древней Руси были фреска и икона. Христианская церковь внесла в эти виды искусства совершенно иное содержание.
А писание икон – иконопись – была главным видом живописи того времени. Даже в Византии иконопись никогда не играла такой важной роли, как на Руси, где она стала одной из основных, общераспространенных форм изобразительного искусства, соперницей монументальной живописи. Именно иконы являются основным жанром древнерусской живописи. Иконопись, в отличие от светской живописи, осуществлялась по определенным канонам.
Пластика занимала в древнерусском искусстве подчиненное положение. Как и в Византии, православная церковь видела в круглой скульптуре наследие «идольских», языческих времен и относилась к ней неодобрительно. Хотя этот взгляд с течением времени изменился, круглая скульптура так и не получила на Руси большого развития.
Металлургия и металлообработка железа и стали
Обработка цветных металлов
Прядение и ткачество
Машины и механизмы
Вопрос №13. Крещение Руси и развитие архитектуры.
Каменное строительство получило определенное развитие с конца 10 начала 11 веков, что было связано с крещением Руси, и первоначально преобладало в церковном зодчестве. Первой известной по летописям каменной постройкой Руси можно считать Десятинную церковь (церковь святой Богородицы) в Киеве, сооруженную в первые годы после Крещения Руси, в 989-996 годах и сочетающую в себе традиции и приемы византийской и болгарской церковной архитектуры. Влияние греческих мастеров отчетливо прослеживается в архитектуре Спасо-Преображенского собора в Чернигове (1030-е годы). Стремление следовать византийским образцам заметно и в крупнейшем храме Киевской Руси соборе святой Софии в Киеве, игравшем роль главного храма православной Руси.
Особенностью ранней церковной архитектуры Древней Руси было единство интерьера, достигавшееся за счет низких алтарных перегородок, открывавших взору верующих верхнюю часть алтарной части храма. Такое решение интерьера как бы приближало молящихся к центру богослужения, а через него и ко всему божественному (сакральному) пространству, объединяло церковь земную и небесную. Из византийской традиции заимствована и традиция украшения внутреннего пространства храмов мозаикой, благодаря яркости и легкости светового решения, также символизировавшей единение земного и небесного начал церкви.
Наряду с каменными храмами строились деревянные церкви, которых было большинство. Из дуба, в частности, был выстроен в 1049 году и первый Софийский собор в Новгороде – предшественник белокаменной Софии. Историки архитектуры расходятся во мнениях относительно того, какими были взаимоотношения каменной и деревянной архитектуры, какая из них оказывала влияние на развитие другой. Вероятней всего влияние было двусторонним. Каменная архитектура, особенно храмовая, испытывала определенное влияние деревянного зодчества с его приемами двухскатной и четырехскатной кровли и пр., в свою очередь, деревянная архитектура усваивала и осваивала элементы каменного строительства в той мере, в какой они могли быть воспроизведены в принципиально ином строительном материале.
Небольшие сельские храмы строились по типу избы, в основе которой всегда лежит венец из четырех бревен, образующих при соединении квадрат или прямоугольник, а вся изба представляет собой несколько венцов, наложенных друг на друга – сруб, покрытый двускатной или четырехскатной крышей. Этот принцип сохранился и в более сложных сооружениях – теремах, дворцах, крепостных башнях. Иногда вместо четырехугольного сруба (четверика) сооружается восьмиугольный сруб (восьмерик). Принцип соединения четвериков и восьмериков прослеживается и в каменной архитектуры Руси вплоть до нового времени.
Чередование четвериков и восьмериков, особенно характерное для храмового зодчества, создало весьма распространенный на Руси тип двух- и многоярусных шатровых храмов – от небольших, односрубных или одностолпных церквей, до многостолпных соборов. Отдельные срубы (столпы) связывались между собой системой галерей, переходов, крылец. Все здания ставились на деревянные или каменные цоколи (подклеты), в которых размещались частично уходящие под землю подвальные помещения и входы в погреба, и подземные ходы.
Вопрос №14. Общая характеристика изобразительного искусства Древней Руси.
Древнерусская архитектура и изобразительное искусство, испытав значительное влияние Византии, получив с принятием христианства важный стимул, в целом развивалось на собственной основе. За сравнительно короткий срок была создана система общерусских художественных ценностей, которая сохранялась и в условиях раздробленности Руси. Особенности художественного творчества отдельных земель взаимно обогащали эту систему. Сохранившиеся и дошедшие до нас памятники архитектуры и живописи Древней Руси свидетельствуют о высоком уровне строительной техники, мастерстве и тонком художественном вкусе русских зодчих и живописцев.
Вопрос №15. Барокко в русском искусстве.
В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII века. Стиль барокко в России обладал рядом национальных особенностей. Русское зрелое барокко отличалось от западного, в частности, наиболее ярко выраженного — итальянского, структурной ясностью и простотой плановых построений, тесной связью конструктивной основы и декорирующих её элементов. Другой отличительной особенностью русского барокко был его мажорный характер, активное использование ярких цветов в окраске, смелых колористических контрастов, включая золочение.
Исследователь древнерусского зодчества Николай Султанов ввёл термин «русское барокко», обозначив им допетровскую архитектуру Руси XVII века. Фактически под этим термином понималось «московское узорочье», сложившееся в 1640-х годах. Современные искусствоведы видят в узорочье скорее аналог маньеризма, а отсчёт истории русского барокко ведут с распространения в московской строительной практике восьмериков на четверике (церковь царевича Иоасафа, 1678). В эволюции русского барокко выделяют стадии «московского барокко» конца XVII века (различают нарышкинский, строгановский, голицынский стили), «петровское барокко» первой четверти XVIII в., «зрелое русское барокко» елизаветинского времен].
Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и других, отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов (арх. М. Г. Земцов, В. В. Растрелли, Д. В. Ухтомский). Сравнительно малоизвестную страницу в истории барокко составляет храмовое зодчество уральских заводов и Сибири; применительно к нему бытуют такие термины, как «уральское барокко» и «сибирское барокко».
Вопрос № 16. Классицизм в русской архитектуре, скульптуре, живописи.
Классицизм в России.
Ранний русский классицизм в архитектуре (1760—70-е гг.; Ж. Б. Валлен-Деламот, А. Ф. Кокоринов, Ю. М. Фельтен, К. И. Бланк, А. Ринальди) сохраняет ещё пластику, обогащённость и динамику форм, присущую барокко и рококо.
Зодчие зрелой поры классицизма (1770— 90-е гг.; В. И. Баженов, М. Ф. Казаков, И. Е. Старов) создали классические типы столичного дворца-усадьбы и крупного комфортабельного жилого дома, ставшие образцами в широком строительстве загородных дворянских усадеб и в новой, парадной застройке городов. Искусство ансамбля в загородных парковых усадьбах — крупный национальный вклад русского классицизма в мировую художественную культуру. В усадебном строительстве возник русский вариант палладианства (Н. А. Львов), сложился новый тип камерного дворца (Ч. Камерон, Дж. Кваренги>.
Особенность русского классицизма в архитектуре — небывалый масштаб организованного государственного градостроительства: разрабатывались регулярные планы более 400 городов, формировались ансамбли центров Костромы, Полтавы, Твери, Ярославля и др. городов; практика «регулирования» городских планов, как правило, преемственно сочетала принципы классицизма с исторически сложившейся планировочной структурой старорусского города.
В изобразительном искусстве развитие русского классицизма тесно связано с петербургской Академией Художеств (основана в 1757). Скульптура русского классицизма представлена «героической» монументально-декоративной пластикой, составляющей тонко продуманный синтез с ампирной архитектурой, исполненными гражданского пафоса памятниками, элегически-просветлёнными надгробиями, станковой пластикой (И. П. Прокофьев, Ф. Г. Гордеев, М. И. Козловский, И. П. Мартос, Ф. Ф. Щедрин, В. И. Демут-Малиновскии, С. С. Пименов, И. И. Теребенёв).
Русский классицизм в живописи наиболее ярко проявился в произведениях исторического и мифологического жанров (А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмое, И. А. Акимов, А. И. Иванов, А. Е. Егоров, В. К. Шебуев, ранний А. А. Иванов). Некоторые черты классицизма присущи также тонкопсихологическим скульптурным портретам Ф. И. Шубина, в живописи — портретам Д. Г. Левицкого, В. Л. Боровиковского, пейзажам Ф. М. Матвеева.
Воспрос №17. Товарищество передвижных художественных выставок.
19 век принято называть Золотым Веком, так как в это время искусство становится классическим. Пика своего развития русская культура достигает во второй половине 19 века. Это было связано с временем «великих» реформ Александра Второго.
Большую роль в искусстве передвижников сыграл критик Владимир Стасов и меценат и купец Павел Михайлович Третьяков.
Появление Товарищества было связано с расцветом бытовой живописи, которую представляли Владимир Егорович Маковский, Николай Александрович Ярошенко, Василий Перов (Охотники на привале, Рыбачок), Григорий Маковский (Земство обедает), Илья Репин (Крестный ход в Курской Губернии)
Большую роль в творчестве передвижников сыграла историческая живопись. Николай Ге. Василий Суриков.
Религиозный жанр. Николай Ге «Что есть истина». Иван Крамской «Христос в пустыне».
Вопрос №18. Русская живопись в первой половине 19 века.
Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.
Кипренский Орест Адамович [13 (24) марта 1782, Мыза Нежинская, около Копорья, ныне в Ленинградской области — 17 октября 1836, Рим], русский художник. Выдающийся мастер русского изобразительного искусства романтизма, известен как замечательный портретист.
В первой половине XIX в. жил и творил художник Александр Андреевич Иванов (1806—1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного пробуждения народа, воплотив ее в картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую вложил всю мощь и яркость своего таланта. На переднем плане его грандиозного полотна в глаза бросается мужественная фигура Иоанна Крестителя, указывающего народу на приближающегося Христа. Его фигура дана в отдалении. Он еще не пришел, он идет, он обязательно придет, говорит художник. И светлеют, очищаются лица и души тех, кто ожидает Спасителя. В этой картине он показал, как говорил позднее И. Е. Репин, «угнетенный народ, жаждующий слова свободы».
В первой половине XIX в. в русскую живопись входит бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился Алексей Гаврилович Венецианов (1780—1847). Он посвятил свое творчество изображению жизни крестьян. Эту жизнь он показывает в идеализированном, приукрашенном виде, отдавая дань модному тогда сентиментализму. Однако картины Венецианова «Гумно», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками», «Захарка», «Утро помещицы» отображая красоту и благородство простых русских людей, служили утверждению достоинства человека вне зависимости от его социального положения.
Его традиции продолжил Павла Андреевича Федотов (1815—1852). Его полотна реалистичны, наполнены сатирическим содержанием, разоблачающим торгашескую мораль, быт и нравы верхушки общества («Сватовство майора», «Свежий кавалер» и др.). Свой путь художника-сатирика он начинал будучи офицером-гвардейцем. Тогда он делал веселые, озорные зарисовки армейского быта. В 1848 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». Это была дерзкая насмешка не только над тупым, самодовольным чиновничеством, но и над академическими традициями. Грязный халат, в который облачился главный герой картины, очень уж напоминал античную тогу. Брюллов долго стоял перед полотном, а потом сказал автору полушутя полусерьезно: «Поздравляю вас, вы победили меня». Комедийно-сатирический характер носят и другие картины Федотова («Завтрак аристократа», «Сватовство майора»). Последние его картины очень печальны («Анкор, еще анкор!», «Вдовушка»). Современники справедливо сравнивали П.А. Федотова в живописи с Н.В. Гоголем в литературе. Обличение язв крепостнической России — основная тема творчества Павла Андреевича Федотова.
Нам важно ваше мнение! Был ли полезен опубликованный материал? Да | Нет