какие танцы в каких годах

Популярные танцы минувших лет

Популярные танцы: русская пляска

Сложно одной статьей охватить все ушедшие в историю популярные танцы, да оно и не нужно в виду нашей рассовости, религиозному отношению и географическому положению. Поэтому рассмотрим только близкие нам народные танцы и балетные направления, которые взорвали своей популярностью всю Европу.

Популярные танцы: история зарождения

Танец – искусство воплощать историю в хореографический сюжет и язык, способность выражать пережитое и настоящее в сюжетную линию. С далекой древности танец является некой цепочкой действий, самовыражающей чувства и эмоции исполняющего его лица, наступившего или грядущего события. Племенные сословия, танцевали при смерти и рождении, при исцелении больного или объявлении войны, при молениях и прощении… Многие ритуалы не обходились без этой цепочки выразительных телодвижений, именуемой сегодня – танец.

Происхождение танцевальных современных движений вышло из привычных людям телодвижений: от банального шага до наклонов и бега. Сочетание одного движения с другим и некоторая их модификация, получила впоследствии название «па», что с французского означает «шаг» (pas).

Постепенно танец народов стал формироваться исходя из действующих традиций. Потом, они же стали делиться на бытовые, исполняемые для себя и культовые (сейчас они называются сценическими), которые исполнялись для развлечений перед определенной публикой, как современные популярные танцы.

Вскоре бытовые разделились на городскую группу танцев и популярную крестьянскую. И уже из городской снова произошло деление на салонные и придворные, а также на резко набравшие популярность бальные танцы. Именно эти танцы стали прародителями европейского балета.

Развитию популярных танцев, да и всему искусству в танцевальной сфере многим обязан Древний Восток и проводимые в античные времена религиозные празднества. Ни одна постановка древнегреческого театра не могла существовать без танцевальной постановки и работы пантомимистов. Постановкой художественного образа начали заниматься еще в 4-2 веках до н.э.

В 15-16 веках в Европе стали издаваться книги хореографического направления. Благодаря им популярные на тот момент танцы стали плотнее внедряться в театр. Стали появляться скоморохи и жонглеры. Театр стал показывать своим посетителям небольшие сюжетные сценки (морески).

В середине 17 века Французская королевская Академия танца разработала некую систему танцев, ставшей основой классических танцев.

В Австрии же зарождался вальс, выросший из трёхдольного танца ландлер, взявший свое названия от местности зарождения Ландль. В начале 19 века вальс быстро охватил Вену и уверенно охватил некоторые страны Европы.

Во второй половине 19 века появились пуанты. Благодаря их появлению танцовщицы смогли стоять и вращаться на пальцах, что в последствии привело к развитию такого направления как модерн.

В начале 20 века в барах и садах возникали танцевальные площадки. Танец стал стремительно популизироваться и разрастаться в различные стили и направления. Некоторые из них рассмотрим подробнее.

Популярные русские народные танцы

Начнем с красивых, весьма популярных и масштабных в свое время хороводах, русской пляске и кадрили, одним словом – фольклорных танцев. Они все еще исполняются на городских мероприятиях, конкурсах или как минимум в детских садах на елках. Но популярность их значительно спала. Остались энтузиасты и просто любители народного танца, но их исполнение носит больше исторический характер, нежели развлекательный.

Отличительная особенность фольклорного танца в его естественности и принадлежности к местным обычаям или историческим событиям. Часто исполняются в национальных костюмах под ритмы местной музыки.

Одни из танцевальных движений происходили от рабочих процессов. Нередко при исполнении танца в руках действующих лиц можно видеть орудия труда или музыкальные инструменты. Другие движения — результат полученных впечатлений от красок и процессов окружающей среды, разнообразия движений различных животных и птиц.

Русский народный танец

Исполняются народные танцы на нашей Родине по-разному в зависимости от перемещения по этническим зонам. Иными словами южане танцуют задорнее северян. Тем не менее, русский народный танец всегда оставался либо народной самодеятельностью, либо сценической постановкой с соблюдением близких народу традиций.

Хоровод и карагод

Перестав быть обрядческим, сохранив при этом тематичность и форму игры, хороводы стали популярным развлечением людей в конце 17 века. Поскольку он включал в себя одновременно песню, танец и игру, то хоровод стал популярным танцем среди молодежи.

Традиционный хоровод представлял из себя движение по кругу или переходы людей, держа друг друга за руки (иногда держали друг другу за палец, венок, шаль, платок), при этом напевались народные песни. Хоровод мог быть женским или смешанным. Танцевальные фигуры или рисунки целиком могли исполняться мужчинами или женщинами отдельно или совместно в определенном порядке движений и расстановки. Хоровод всегда объединял людей, преумножал чувство братского единства и товарищества.

Орнаментальный хоровод (плясовой)

В отличие от традиционного, орнаментальный хоровод, как и его музыкальная составляющая, не содержит конкретного сюжета или действия. Исходя из названия основная составляющая это орнаменты — фигуры, которые выстраивают исполнители при его исполнении. Орнаменты очень часто отображают быт простого народа, драму или неся в себе какую-то шутку.

Игровой хоровод

В этом хороводе обязательно присутствует игровой сюжет и действующие лица. Танцоры при помощи своего мастерства и мимики изображают танцем содержание исполняющихся в этот момент песен, героев и их образы. Наличие фигур в нем скудное. Исполняются линиями, парами или по кругу. Чаще всего в них затронута любовь, труд и жизнь.

Пляски по кругу

В некоторой степени, гораздо интереснее других хороводов, поскольку в них преобладает исполнительское мастерство. В относительной независимости от остальных участников хоровода, присутствуют пары, которые исполняют отдельные сюжеты на фоне общего рисунка хоровода, в то время как стоящие в круг люди сами исполняют песни под аккомпанемент живого исполнения музыкального ряда присутствующими музыкантами.

Русская пляска

Пляска перешла из обрядового танца в бытовой. Это абсолютно импровизационный танец. В нем нет четкого регламента в построении фигур, определенного порядка расположения танцора на плясовом поле. Разнообразие движений стало визитной карточкой русской пляски.

Перепляс. Своего рода современный танцевальный баттл. Также является импровизационным танцем. В переплясе могли соревноваться в своей виртуозности группы танцоров, поделенные на команды или выходы один на один, два на два и т.д. В качестве музыкального сопровождения использовали исключительно частушки или народные песни.

Особенностью перепляса является его сюжетная линия. Танцор, должен продемонстрировать некоторые движения своему оппоненту, а тот должен безошибочно повторить их и выдать серию своих движений для повторений соперником. Проигрывал в таком переплясе тот, кто не смог повторить движений соперника. Бывали и обратные условия танца, когда нельзя было повторять ранее продемонстрированные движения. Проигрывали в том случае танцоры, чьи движения уже повторялись ранее продемонстрированными им же или оппонентом. Бывали случаи, когда танцевальные баталии длились до упаду танцоров от усталости.

Русская кадриль

Зародилась русская кадриль в России при Петре I. Ее основой происхождения стала классическая французская кадриль. Изначально исполнялась дворянским сословием, но после 1718 года постепенно переходила в сёла. Танец отличался от того, что исполнялся дворянами, так как его фигуры передавались крестьянам на словах различными дворовыми служащими, видавшими исполнение этого танца аристократами. Вскоре его стали исполнять на торговых ярмарках. Стали появляться вновь созданные движения и варианты исполнения кадрили.

Балет

Балет – популярные танцы и по сей день — сугубо театральное представление. Не путайте его с бальным танцем. Балет исполняется под классическую музыку, чаще всего отображает посредством мимических движений, жестов и танцев некую драму. В целом балет это пластическое искусство ярко представленное на театральных сценах.

Кому-то покажется странным, но балет танцевали, и даже танцуют сейчас, в церквях Португалии и в Испании.

В Древней Греции балет всегда был неотъемлемой частью трагедии или комедии. В Древнем Риме существовали религиозные пляски, знаменуемые в честь Марса. После падения Рима балет пропал почти на тысячу лет. И только к концу 15 века он начал возрождаться в Италии.

В 1645 году во Франции впервые услышали итальянскую оперу. Тогда балет стал ее составной частью.

В 1820-30 года произошло формирование романтического балета. Это было невероятное событие.

В конце 20 века балет стал «частью медицины». На его основе были разработаны некоторые танцевальные техники и фитнес упражнения, что сократило в этих сферах количество травм.

Бальный танец

Сперва бальный танец был достаточно свободным. Он не имел определенной хореографической формы. Обязательно включал в свою программу шествие с факелами, пением танцующих и музыкальным сопровождением, в виде игры на музыкальных инструментах.

Первые правила бальных танцев стали возникать в Италии в 14 веке. Позже Франция переняла их на свою сторону и стала полноправной законодательницей бальных танцев. В 1661 году, все в той же Академии танца были присвоены бальному танцу манера и стиль исполнения. Была запрещена импровизация. Наряду с этим стали появляться школы танцев. В 17 веке бальные танцы охватили всю Европу. В каждом государстве бальные танцы приобретали местный колорит.

В 17 веке широкое распространение получили платные балы, проводимые в специально отведенных для этого местах. Первый общественный бал оказался тоже платным все в том же Париже в 1715 году.

В 19 веке благодаря либерализации общественной жизни стали активно развиваться новые бальные направления: лендлер, мазурка, лансье, полька, галоп, полонез. Но «жизнь» менуэта и гавота оказалась весьма не продолжительной. Вскоре их вытесняет вальс.

На пороге 19-20 веков в Европу из стран двух американских континентов пришли новые танцы: чарл-стон, вальс-бостон, уан-степ, квик-степ, ту-степ, фокстрот, блюз и другие.

В 1950-60-ые годы происходит новое осознание массовости танца. Бальный танец исполняется без телесного контакта, снимаются все ограничения в движениях и положениях рук.

Сегодня бальный танец несколько отличается от того, что исполнялся полвека назад, стал более красивым и грациозным. Хотя бальные вечера в России уже и не проводят в наши дни, за исключением исторических мероприятий, бальный танец все еще не потерял свою актуальность, а наоборот, стал частью других стилей и даже сфер деятельности, например, перешел в фитнес. А вот во Франции и Венеции бальные танцы все еще весьма актуальны…

Спортивный бальный танец

Спортивные бальные танцы произошли из классических бальных, широко распространенных на балах Европы и, представляют из себя группы парных танцев, характеризующиеся двумя признаками:

Но позже появилось исключение, позволяющее танцевать сольную программу.

Сейчас спортивные танцы представляют собой танцевальный спорт, включающий 10 танцевальных направлений, разбитые на 2 программы: Латиноамериканскую и Европейскую. Однако в 1960-ых годах, в СССР создали третью «народную программу», состоящую из исторических танцев, ранее исполнявшихся на балах. Более того, появилась и четвертая программа с двумя танцами: модный рок и полька. Последняя программа в настоящее время исполняется начинающими танцорами.

Акробатический танец

В 1900 годах в Канаде и США акробатический танец являлся элементом комедийной пьесы (водевиля). Теперь это вид спорта. В акробатическом танце спортсмены выполняют технически сложные акробатические движения, совмещая их с танцевальными элементами.

Достаточно сложный танец с этюдно-образными комбинациями акробатических и гимнастических элементов. Требует к себе высокой пластичности, умение воспринимать и проникать в сопровождающую музыку.

Спортсменам разрешается использовать элементы из других направлений: современного джаза или модерна, свободной пластики. Но акробатические действия должны доминировать на протяжении всего номера.

Запрещено применять в номерах какой-либо реквизит и внедрять аэробные элементы.

Подобные этим популярные танцы есть в каждой стране и у каждого народа. Все они носят определенный характер. Отличаются стилями и способами исполнения. НО. Популярные танцы всегда будут востребованы и останутся таковыми, разве что поменяются стили…

Источник

Какие танцы в каких годах

Если бы мы вдруг сконструировали машину времени и отправились на вечеринки разных десятилетий, то календарь можно было бы спокойно забыть дома, потому что характерные движения выдают эпоху с головой. Вспоминаем с тихим ужасом, как мы танцевали десять и двадцать лет назад, и представляем, что творили на вечеринках наши родители и прародители. Вы с нами?

Сто лет назад, в 20-х годах XX века, модным был чарльстон. Основной шаг знали все.

40-е были наполнены военными песнями и танцами, но также эти годы уверенно можно считать годами свинга.

Танцы 60-х близки нам даже в XXI веке. Прыжки с ноги на ногу — pony step, заплыв в воздушном пространстве — swim, твист, движение в стиле Питера Гриффина — monkey, тряска плечами и, да, имитация погружения, когда одной рукой вы держите нос, а второй показываете как опускаетесь на дно — вот это как раз танец того времени.

70-е прошли в ритме диско. Пожалуй, это те движения, которые с легкостью сделает каждый. Вспомните танец Джона Траволты из фильма «Лихорадка субботнего вечера» и включите популярнейший трек Бонни М — тогда звание короля и королевы диско точно ваши.

80-е были хороши. Годы расцвета trendy, локинга и других стрит-стилей. Названия движений большинству могут ни о чем не сказать. Но станцует их каждый второй!

В конце 90-х в России появилось MTV. Что произошло дальше – легко представить. Музыкальные клипы, полные разнообразных танцевальных движений, хлынули на экраны и в умы наших соотечественников. Здесь был и вог, и тренди, и электрикстайл, но чаще всего нам включали Бритни Спирс, группу Roxette и песню девчонок из Las Ketchup, заставляя нас повторять этот странный танец руками.

2000-е. Здесь можно вспомнить себя. Танцевали много и разного. Но отличительной чертой предлагаем считать разложенный на полу картон и парней в шапочках, крутящих гелик.

2010-е. Бути дэнс уже известен, но еще не так популярен. Чего не скажешь о хип-хопе и джаз-фанке. Танцевальные фильмы уже крепко захватили кинопрокат, а в России несколько лет проводятся чемпионаты по этим двум направлениям.

От чарльстона к девушкам в широких штанах и парнях на каблуках — эти сто лет наглядно показывают, как мы подвластны моде и течению времени.

Во времени путешествовала Екатерина Перминова.

Источник

Танцы в XX веке

1900-е

Самые модные танцы

Матчиш

Матчиш (порт. maxixe) родился в бразильской провинции в конце 1860-х годов. Партнеры двигались быстрым скользящим шагом, кружились и то и дело обни­мались — причем партнер прижимал к себе спину партнерши. Для той чинной эпохи танец, основанный на афро-латинских ритмах, казался огнен­ным, «сладострастным». На рубеже XIX–XX веков матчиш стал популярен в Рио-де-Жанейро, а накануне Первой мировой войны песенку в ритме матчиша уже играли все механические пианино в американских салунах и европейских кафе.

Матчиш в исполнении Вернона и Айрин Касл. 1915 годЭто фрагмент безымянного немого фильма, в котором матчиш танцуют знаменитые американские актеры и танцовщики Вернон и Айрин Касл. Музыка, наложенная на видео, — это матчиш под на­званием «Dengoso» бразильского композитора Эрнесто Назарета, записанный в США примерно в то же время, когда снимался фильм.

Явления хореографии

Предвестницы танца модерн (США)

Историю современного танца принято начинать с американского танца мо­дерн. Но ему предшествовало творчество четырех независимых танцовщиц, каждая из которых осталась в истории как предвестница (forerunner) модерна. Их главной целью было доказать, что хореография может быть серьезным ви­дом искусства, а танец — это не только шоу. Самая известная из них, Айсе­дора Дункан, считала, что танец должен развиваться естественно, в соответ­ствии с индивидуальностью исполнителя — достаточно слушать свое тело и его им­пульсы. Это стали называть свободным танцем. Ее старшая коллега Лои Фул­лер, придумавшая десятки способов сделать свет и цвет важной частью хорео­графии, оказала серьезное влияние на развитие не только танца, но и сце­но­гра­фии. Рут Сен-Дени открыла в США «Денишоун» — первую школу, где си­стематически обучали разным видам движения, от балета до йоги. Почти все будущие мастера танца модерн — выпускники «Денишоун». Кроме того, ее уче­ниц охотно брали в массовки голливудских фильмов, а неко­торые, например Луиза Брукс, стали звездами немого кино. Четвертая предвестница — Мод Аллан, чья «Саломея» стала потрясением для публики того времени. Вообще, про ее стиль довольно мало известно, гораздо больше внимания пресса того времени уделяла связанным с ней скандальным историям — например, когда она подала в суд на английского политика, обвинившего ее в гомосексуально­сти и связях с немецкими шпионами.

Лои Фуллер, Айседора Дункан, Рут Сен-Дени, Мод Аллан.

Танец «Серпантин» Лои Фуллер, «Фимиам» Рут Сен-Дени, «Саломея» Мод Аллан.

МОЖНО ЛИ УВИДЕТЬ СЕЙЧАС:

Наследие Дункан хранят, танцуют и изучают ее последователи в США, кото­рые недавно объединились в ассоциацию и создали сайт, где можно увидеть аутен­тичную хореографию Дункан. Творчество других предве­стниц осталось в исто­рии — хотя важно помнить, что весь современный танец XX века случился благодаря их опытам; более того, некоторые их находки вдохновляют хорео­графов и сегодня — например, отголоски визуальных экспе­риментов Лои Фуллер можно найти в работах француза Филиппа Декуфле или американца Элвина Николая.

Лои Фуллер исполняет танец «Серпантин». 1902 год

1910-е

Самые модные танцы

Танго

Танго родилось в рабочих районах Буэнос-Айреса; одним из его источников была хабанера, кубинский народный танец. Танго быстро завоевало весь мир. Не последнюю роль в этом сыграла связь страсти и насилия, которая сполна проявилась в «жестоком» танго, или танго апаш, где партнер-мачо гнул и швырял свою даму, как будто хотел ее прикончить. Перед Первой мировой войной в буржуазных салонах танго укротили и облагородили, но оно сохранило свою эротичность, образ еле сдерживаемого желания, «пламени во льду».

Тангомания захватила Европу настолько, что папа римский издал особую буллу, запрещающую танго. Тем не менее слава танго росла — в немалой степени благодаря немому кинематографу, в котором блистал прекрасный тангеро Рудольф Валентино.

Рудольф Валентино и Беатрис Домингес танцуют танго в фильме Рекса Ингрэма «Четыре всадника Апокалипсиса». 1921 годФильм немой, и музыка, которая здесь звучит, — это танго «La Cumparsita», написанное в 1916 году уругвайским композитором Херардо Родригесом.

Явления хореографии

Экспрессионистский танец (Германия)

Параллельно с Америкой танец развивался и в Европе, но по другому сценарию. Направление, которое возникло в Швейцарии и Германии в начале XX века, называют экспрессионистским танцем (Ausdruckstanz) или немецким модер­ном. Танцовщики и хореографы наравне с другими философами и художника­ми искали способы выражения нового восприятия мира и новых смыслов через движение и взаимодействие с пространством. Композитор Эмиль Жак-Даль­кроз придумал ритмику: на занятиях сольфеджио он обнаружил, что его ученики лучше усваивают материал, если двигаются вместе с музыкой, и начал развивать систему, соотносящую ритм и движение. Рудольф Лабан анализиро­вал движение тела в пространстве и изобрел способ записывать танец на бума­ге, которым пользуются до сих пор (он так и называется — лабанотация). Его уче­ники, Мэри Вигман (создательница танцев-ритуалов вроде «Песни-пляски» на слова Ницше) и Курт Йосс, развивали экспрессионистский танец, обращаясь к непростой послевоенной повседневности, темам смерти, насилия, отчаяния.

Эмиль Жак-Далькроз, Рудольф Лабан, Мэри Вигман, Курт Йосс, Валеска Герт, Харальд Кройцберг и др.

«Танец ведьмы» Мэри Вигман, «Зеленый стол» Курта Йосса.

МОЖНО ЛИ УВИДЕТЬ СЕЙЧАС:

Творчество практически всех героев экспрессионистского танца осталось в истории, но прослеживаются прямые линии наследования. Например, ученик Лабана Курт Йосс — один из создателей стиля танцтеатр, в котором смешива­ются танец, декламация, опера и драма. Главная фигура танцтеатра — ученица Йосса, великая танцовщица и хореограф Пина Бауш, чья труппа существует до сих пор.

1920-е

Самые модные танцы

Фокстрот

Есть несколько версий происхождения фокстрота. По одной из них, его приду­мал постановщик водевилей Чарльз Фокс — и танец назван в его честь. Согла­сно другой версии, фокстрот (англ. fox trot — «шаг лисы») относится к группе так называемых танцев животных (animal dances), которые появились в Амери­ке еще до Первой мировой войны. Это веселые парные танцы, которые танце­ва­ли под регтайм (музыку афроамери­канцев из южных штатов и Среднего За­пада), имитируя движения зверей и птиц (были, например, танцы «Шаг индю­ка», «Объятия кролика», «Медведь гризли» и проч.).

В основе фокстрота — простой шаг вперед, назад или в сторону. Два «длин­ных», или «медленных», шага сменяются двумя короткими и быстрыми. Поэто­му фокстрот иногда считают соединением медленного уанстепа (one-step) с быстрым тустепом (two-step).

В 1920-е годы фокстрот стал популярен во всем мире, перебравшись в Европу и Россию, — например, поэт Андрей Белый в начале 1920-х учился фок­строту в танцклассах в Берлине.

Ролик о фокстроте, смонтированный историком танца Уолтером Нельсоном из архивных записей 1920–30-х годов

Явления хореографии

Танец модерн (США)

Отталкиваясь от творчества предвестниц, cоздатели модерна искали танце­валь­­ный язык, на котором можно было бы говорить не только о чувствах и яв­лениях природы, но и о серьезных вопросах, которые тревожат автора и его современников, — о любви, войне, несправедливости, бессилии.

Основателями танца модерн называют четырех хореографов, так называемую ве­ли­кую четверку. Трое из них были выпускниками школы Рут Сен-Дени «Дени­шоун», но к концу 1920-х уже работали самостоятельно. И очень успеш­но. Самая известная из них — Марта Грэм. Она создала собственную тех­нику, в основе которой — смена сжатия и расслабления («сontraction — release»), осво­бождения тела танцовщика, открыла самую успешную труппу танца мо­дерн в XX веке и стала автором более сотни постановок. Вторая — До­рис Хам­фри — разработала основанную на принципах гравитации и естествен­ной тяже­сти тела технику падения и восстановления («fall — recovery»). Хамф­ри работала вместе с третьим участником «великой четверки», Чарльзом Вейд­ма­ном. Ханя Хольм — ученица Мэри Вигман и единственная немка в этой ком­па­нии; в Америке она оказалась в 1931 году, когда Вигман предложила ей воз­гла­вить в Нью-Йорке свою школу.

Марта Грэм, Дорис Хамфри, Чарльз Вейдман, Ханя Хольм.

«Еретичка» и «Плач» Марты Грэм, «Трясуны» Дорис Хамфри, «Тренд» Хани Хольм, «Вспышки» Чарльза Вейдмана.

МОЖНО ЛИ УВИДЕТЬ СЕЙЧАС:

Техники танца модерн сегодня изучают и реконструируют в академических заведениях по всему миру, в американских ассоциациях по их наследию и в Бюро танцевальной нотации. А работы Марты Грэм до сих пор можно увидеть в исполнении ее труппы — Martha Graham Dance Company, — которая базируется в Нью-Йорке и в 2016 году отпраздновала 90-летие.

«Ария на струне соль» Августа Вильгельми с хореографией Дорис Хамфри. 1934 год

1930-е

Самые модные танцы

Линди-хоп

Линди-хоп — это самая сложная форма свинга, а свинг (от англ. swing — «кача­ние») — общее название танцев под североамериканский джаз, которые появи­лись благодаря возникновению больших джазовых оркестров: их игра была более полнозвучной, чем игра маленьких джаз-бандов, и буквально «раскачи­ва­ла» танцующих. Именно такой оркестр играл, например, в Savoy Ballroоm — танцевальном сердце Гарлема.

Линди-хоп — это первый социальный танец, в котором появились акробатиче­ские элементы. Как и другие танцы под регтайм и джаз, его быстро заметили продюсеры Бродвея и Голливуда. Сформировались команды музыкантов и тан­цовщиков (одна из самых известных — Whitey’s Lindy Hoppers), которые высту­­пали на сцене и снимались в кино. Так рожденный в Гарлеме линди-хоп отпра­вился путешествовать по миру.

Whitey’s Lindy Hoppers танцуют линди-хоп в фильме Джона Клейна «Держи удар». 1939 год

Явления хореографии

Неоклассический балет

Классический балет достиг своего апогея в постановке Мариуса Петипа «Спя­щая красавица» в 1890 году: создать что-то масштабнее и роскошнее было уже невозможно. Новое направление классическому балету задал Михаил Фокин, обратившись к малой форме и отменив сюжет (как в «Шопениане» 1907 года). Следующий шаг сделал Федор Лопухов со своей бессюжетной танцсимфонией «Величие мироздания». В этом спектакле участвовал молодой Георгий Балан­чивадзе. Через несколько лет он оказался на Западе, стал по совету Дягилева Баланчиным, а затем, в 1933 году, переехал в Америку, где и создал направле­ние, которое в итоге стали называть неоклассическим балетом. Впрочем, если почитать евро­пейских исследователей, то они называют отцом неоклассиче­ско­го балета другого эмигранта из Советской России — Сержа Лифаря. Оба они работали с лексикой классического балета, упрощали костюмы и декора­ции, тяготели к малым формам и отсутствию сюжета, так что, пожалуй, не так важно, кто из них был первым, тем более что их карьеры на Западе развивались одновре­менно. Важно другое: неоклассический балет — одно из самых мощных направ­лений XX века. В этом стиле иногда ставили и Морис Бежар, и Ролан Пети, но по-настоящему серьезную роль в его продвижении в XXI веке сыграли Уиль­ям Форсайт и Уэйн Макгрегор.

Джордж Баланчин, Серж Лифарь, Иржи Килиан, Уильям Форсайт, Ролан Пети.

«Серенада» Баланчина, «Сюита в белом» Сержа Лифаря, «Impressing the Czar» Форcайта.

МОЖНО ЛИ УВИДЕТЬ СЕЙЧАС:

В репертуаре любого большого музыкального театра есть несколько работ неоклассического балета. В ближайшее время увидеть работу одного из рос­сийских неоклассиков, Алексея Ратманского, можно будет на гала-закрытиифестиваля «Context. Diana Vishneva».

«Серенада» в исполнении New York City Ballet. Хореография Джорджа Баланчина, музыка Петра Чайковского

Хореографы-афроамериканцы (США)

Как и во всех остальных сферах американ­ской жизни, политика сегрегации дей­ствовала и в хореографии. До середины XX века встретить чернокожего артиста в серьезной балетной труппе было невозможно: считалось, что такие танцовщики могут развлекать публику степом или кекуоком, но пускать их в про­фессиональные труппы никто не решался. В американском классиче­ском балете первым солистом-афроамериканцем стал Артур Митчелл, который в 1955 году вошел в труппу New York City Ballet. Но, несмотря на статус солиста (именно для него Баланчин поставил дуэт в балете «Агон»), вплоть до 1965 года Митчелла никогда не ставили в состав, если спектакль должны были снимать для телевидения. В 1969 году Митчелл основал свою собствен­ную балетную труппу Dance Theatre of Harlem, которая вошла в историю как первая афроаме­риканская балетная труппа в мире.

В труппы современного танца афроамериканцев тоже не принимали. Здесь глав­­ным борцом за права чернокожих артистов стала американская тан­цов­щи­ца, актриса и антрополог Кэтрин Данэм. В 1930-е годы она создала Ballet Nègre (который позднее стал называться Katherine Dunham Company). В основе техни­ки Данэм лежит не только классический балет и танец модерн, но и дви­же­ния из народных карибских танцев. Данэм называли «королевой-матерью черного танца» и «Екатериной Великой танца», но, как бы уважительно ни от­носились к ней самой, участники ее труппы постоянно сталкивались с расиз­мом: напри­мер, их просили не входить через главный вход театра и не приез­жать на об­щем транспорте с другими артистами.

Еще один важный пункт в истории освобождения современного танца от ра­сизма — труппа Элвина Эйли. Ученик Лестера Хортона, одного из самых из­вестных хореографов танца модерн, Эйли рано стал солировать в его труппе, а в 22 года, после смерти Хортона, даже возглавил ее. Позже Эйли переехал из Лос-Анжелеса в Нью-Йорк и в 1958 году создал там труппу Alvin Ailey American Dance Theater, куда принимали танцовщиков-афроамери­канцев. Правда, однажды в расизме обвинили самого Эйли: в его труппе не ока­залось ни одного белого танцовщика. Сейчас в труппу может попасть любой, пройдя прослушивание.

Кэтрин Данэм, Пёрл Праймус, Элвин Эйли, Талли Битти, Артур Митчелл.

«Откровения» и «Плач» Элвина Эйли, «Шторм» Кэтрин Данэм.

МОЖНО ЛИ УВИДЕТЬ СЕЙЧАС:

Dance Theatre of Harlem и труппа Элвина Эйли существуют в Нью-Йорке по сей день; кроме того, труппа Элвина Эйли несколько раз приезжала в Россию.

Кэтрин Данэм и ее труппа в Театре Кембридж в Лондоне. 1952 год

1940-е

Самые модные танцы

Самба

Бразильские ритмы завоевывали мир не один раз: в начале ХХ века это был матчиш, а в начале 1940-х — самба.

Музыкально-танцевальная культура бывших рабов, выходцев из Западной Афри­ки, в Бразилии была довольно рано интегрирована в доминирующую католическую культуру. На практике это означало, что западноафриканских божеств заменили христианские святые, а религиозные процессии преврати­лись в красочный мультикультурный карнавал. Самба родилась из традицион­ного ритуала, в котором люди (главным образом женщины) впадали в транс, будто бы одержимые духами. Танец впервые появился в карнавальных процес­сиях в 1917 году и быстро стал обязательной частью праздни­ков в Рио. Сорев­но­­ва­ния по этому танцу проходили на специальных самбадромах размером с хороший стадион. Танец достиг мировой популярности благодаря певице, актрисе и танцовщице Кармен Миранде (1909–1955), которую называли «бразильской бомбой». Родившись в Португалии, она рано переехала в Брази­лию, а с 1939 года жила в США, выступала на Бродвее и снималась в Голливуде. Фильмы с ее участием, такие как «Та ночь в Рио» (1941), «Выходные в Гаване» (1941) и «Вся банда в сборе» (1943), стали отдушиной для людей во время войны.

Танцуется самба на синкопированный ритм 4/4 с шагами вперед-назад и свинго­выми, качающимися движениями.

Кармен Миранда исполняет песню «Кай-кай» в фильме Ирвинга Каммингса «Та ночь в Рио». 1941 год

Явления хореографии

Мерс Каннингем (США)

Мерса Каннингема часто называют модернистом или постмодернистом, но ско­­рее он сбежал от одного и вдохновил другое, а сам остался отдельной величиной в истории американского танца.

Каннингем начинал танцевать в труппе Марты Грэм, но за шесть лет работы возненавидел и технику Грэм, и ее концепцию движения — и уже в 1940-е он ушел от нее и создал свою компанию, где основной администра­тивной работой занимался его партнер, композитор Джон Кейдж. У Кейджа Каннингем поза­им­ствовал принцип слу­чай­ности, или алеаторики: так, у Кейджа игральные кости определяли порядок пе­риодов в музыкальном произведении, а у Каннин­гема — порядок танцевальных сцен и кто из исполнителей будет танцевать какую партию. Этот принцип пол­ностью отвечал идее Каннингема о необхо­ди­мости разрушать привычные пат­терны, отказываться от естественных и выученных движений. В конце жизни Каннингем увлекся компьютерными техноло­гия­ми — хореографию он стал создавать не в зале, а в программах Life Forms и DanceForms, а затем предлагал своим артистам воплотить ее на сцене.

Каннингем считал, что на сцене все виды искусства должны сосуществовать на равных правах, а не подчиняться одному — танцу. Он работал с авангарди­стами: музыку писал Кейдж, костюмы часто придумывал Уорхол, а сценогра­фию — Роберт Раушенберг. При этом каждый работал, не зная, что делает дру­гой. Всё вместе впервые собиралось уже в присутствии публики. Даже артисты часто узнавали, какие движение и в каком порядке им предстоит исполнять, всего за несколько минут до премьеры, а музыку впервые слышали только на сцене.

Первое время труппа Каннингема давала одно выступление в год. Разумеется, денег это приносило недостаточно. Тогда на помощь приходили друзья и еди­номышленники — например, Раушенберг мог быстро организовать вы­ставку, продать все картины, а деньги отдать на развитие труппы.

Это «Тропический лес», «Случайная сюита». Вообще, многие постановки Каннингема носили абстрактные названия: «Неназванная работа», «Работа номер 5» и т. д. Также он известен своими балетами под общим названием «Event» («Event 1», «Event 2», «Event 3»): это нарезки из разных работ, приспособленные под определенные пространства. Если постановка не помещалась в театр или музей, куда приглашали Каннингема, он мог ее быстро видоизменить.

МОЖНО ЛИ УВИДЕТЬ СЕЙЧАС:

После смерти Каннингема в 2009 году его труппа по завещанию должна была прекра­тить свое существование. Merce Cunningham Dance Company два года путе­шествовала по всему миру с прощальным турне (заехав даже в Россию, на Че­ховский фестиваль), после чего распалась. Но существует Merce Cunningham Trust, который сохраняет наследие хореографа. Бывшие артисты и репетиторы следят за тем, чтобы хореография Каннингема исполнялась гра­мотно, проводят занятия по его технике и преподают его постановки на фа­куль­тетах хореогра­фии по всей Америке. А также занимаются исследованиями и проводят конфе­рен­ции по творчеству Каннингема. Этой осенью в рамках фе­стиваля «Context. Diana Vishneva» мастер-класс по технике Каннингема пройдетв Санкт-Петербурге.

«Пляжные птицы для видеокамеры» в исполнении Merce Cunningham Dance Company. Хореогра­фия Мерса Каннингема, музыка Джона Кейджа, видеоадаптация Эллиота Каплана. 1993 год

Источник